Тема 7. Искусство ХХ века

Общий стиль эпохи - модернизм
Даты	направления изобразительного искусства	Авангард
1905-1908	Фовизм
1907-1914	Кубизм
1907-1914	Абстракционизм/ Неопластицизм
1916-1922	Дадаизм
1910-1918	Футуризм
1916-1922	Метафизическая живопись
1918-1920-е гг	Лирический экспрессионизм
1924-1940-е гг.	Сюрреализм
1950-60-е гг.	Оп-арт
	Поп-арт
	Гиперреализм
	Живопись действия/Абстрактный экспрессионизм
1970-90-е гг.	Актуальное искусство
1980-90-е гг.	Постмодернизм/Трансавангард

 

Хотя хронологические рамки отдельных столетий необязательно совпадают с радикальными сдвигами в истории культуры, именно между 19 и 20 вв. обозначился перелом в мироощущении людей и их отношении к действительности. Бурно развивались наука и техника, материальное производство, общественная жизнь, происходило ослабление религиозного сознания, что, как в зеркале, конкретно и зримо отражалось в искусстве. Как предвестник нового этапа его развития в конце 19в. в Европе на короткий срок возникло направление декадентства (от фр. decadence — упадок). Впервые появившись во Франции, декадентские настроения безнадежности, неприятия жизни, крайнего индивидуализма затронули значительную часть художников многих направлений и видов искусств.

К началу 20 в. европейское искусство в целом уже приобрело новые, не свойственные ему ранее черты: «Много кризисов искусство пережило за свою историю... Но то, что происходит с искусством в нашу эпоху, не может быть названо одним из кризисов в ряду других. Мы присутствуем при кризисе искусства вообще, при глубочайших потрясениях в тысячелетних его основах. Окончательно померк старый идеал классически прекрасного искусства, и чувствуется, что нет возврата к его образам» (Н.А. Бердяев).

Новые, ранее неизвестные формы искусства, одним (в частности, Л.Н. Толстому) казались шагом назад в эстетическом развитии человечества, другим (например, Ортеге-и-Гассету) — прогрессом и шагом вперед. Так или иначе, «новое» искусство связано именно с 20 в., и все его проявления можно объединить широким термином – модернизм.   

Модернизм (от фр. moderne — новый, новейший, современный) — совокупность эстетических школ и течений конца 19- начала 20 в., характеризующихся разрывом с традициями реализма и других предшествующих художественных направлений. «Бесконечно ускорился темп жизни, и вихрь, поднятый этим ускоренным движением, захватил и закрутил человека и человеческое творчество... В мир победоносно вошла машина и нарушила вековечный лад органической жизни. С этого революционного события все изменилось в человеческой жизни, все надломилось в ней». Нестабильность положения в мире отдельной человеческой личности; ее отчуждение от общества; растущая роль в жизни людей абстрактного мышления и одновременно бунт против рационализма в искусстве; стремление отразить в нем некие неуловимые стороны действительности – все это обусловило переход мирового искусства в новое качество, объединенное общим понятием «модернизм».           

Выступая против многих норм и традиций предшествующей эстетики, стремясь к новаторству любой ценой, модернизм — порождение эпохи войн и революций — сам нередко претендовал на революционность и демонстрировал ее в художественной практике. В своих крайних проявлениях в модернистской живописи происходит отказ от композиции, визуальной верности оригиналу, «правды» цвета и линий; в скульптуре — от реальных пропорций и объемов изображаемых объектов. Тем не менее, в своих лучших образцах, несмотря на все издержки, современные течения в искусстве значительно обогатили художественную культуру человечества за счет новых выразительных средств.

Ортега-и-Гассет писал: «Новое искусство, очевидно, не есть искусство для всех, как, например, искусство романтическое: новое искусство обращается к одаренному меньшинству... Это искусство привилегированных, искусство утонченной нервной организации, искусство аристократического инстинкта... Ограничиваться воспроизведением реальности, бездумно удваивая ее, не имеет смысла. Миссия искусства — создавать ирреальные горизонты. Чтобы добиться этого, есть только один способ — отрицать нашу реальность, возвышаясь над нею». Именно X. Ортеге-и-Гассету принадлежит наиболее любопытная гипотеза о самом общем законе развития мирового искусства, которую он выдвинул на примере живописи. Рассматривая художественное творчество как неотъемлемую часть культуры, он считал, что вслед за философией искусство изменялось в зависимости от изменения точки зрения художников на окружающий мир — от вещественно-конкретного, объективного видения и художественного воспроизведения мира через его субъективное восприятие и изображение к господству чистых идей и абстракций. Грубо говоря, это движение от реализма, понимаемого как предельная верность натуре, через импрессионизм как передачу лишь ощущений о ней, к современной, все более абстрактной живописи: «Закон, предрешивший великие перевороты в живописи, на удивление прост. Сначала изображались предметы, потом — ощущения и, наконец, идеи. Иными словами, внимание художника прежде всего сосредоточивалось на внешней реальности, затем — на субъективном, а в итоге перешло на интрасубъективное» (Ортега-и-Гассет).         

Родиной важнейших модернистских школ и течений, получивших наиболее широкое признание и распространение, стала Франция. К понятию модернизма близок авангардизм (от фр. avant-garde — передовой отряд), объединивший в начале 20 в. наиболее радикальные направления искусства.

Самое ранее авангардное направление – фовизм. Фови́зм (от фр. fauve — дикий) — направление французской живописи начала 20 в. Название закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на Осеннем Салоне 1905 года. Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет мягкому и натуральному цвету, свойственному импрессионистам. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями. Это было реакцией современников на поразившую их выразительность красок. Это случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Сами же художники никогда не признавали его. Лидеры направления – Анри Матисс (Красный интерьер», «Красные рыбы», «Окно. Танжер», «Разговор», двойное панно «Музыка», «Танец», «Арабская кофейня», «Танцоры», «Икар», «Портрет Л. Делекторской» и др.) и Андре Дерен («Дождь в Шату», «Вокзал Черринг-Кросс», «Мужчина с Газетой», «Субботний вечер», «Стволы деревьев» и др.) Сторонники фовизма – Альбер Марке, Морис Вламинк, Кесс Ван Донген, Жорж Руо, Рауль Дюфи, Жорж Брак и др. 

Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением форм объектов, плоскостным решением пространства картины. Как направление, фовизм просуществовал очень недолго – до 1908 г. Но его основоположники продолжали развивать эстетику фовизма всю свою творческую жизнь.

В 1908 г. изобразительном искусстве 20 в. появилось новое модернистское направление - кубизм, выдвигавшее на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости с помощью комбинации геометрических фигур (куба, конуса, круга и др.). Характеризуется использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы. Название «кубизм» появилось в 1908 г., когда художественный критик Луи Воссель назвал новые картины Брака «bizarreries cubiques», что в переводе с французского означает «кубические причуды». Истоки кубизма исходят из творчества французского постимпрессиониста Поля Сезанна. В одном из писем молодому Пабло Пикассо Сезанн рекомендует рассматривать натуру как совокупность простых форм — сфер, конусов, цилиндров. Он имел в виду, что эти базисные формы необходимо держать в сознании как организующее начало картины. Однако Пикассо и его друзья (Жорж Брак, Хуан Грис, Мари Лорансен, Фернан Леже, Робер Делоне, Жан Метценже, Франсис Пикабиа и др.) восприняли совет буквально. Основоположниками кубизма, одновременно занявшимися творческими экспериментами с формой объектов были Пабло Пикассо и Жорж Брак. Выделяют три периода кубизма, отражающие разные эстетические концепции:

· сезанновский (1907-1909) - художники-кубисты продолжили эксперименты Поля Сезанна с формой, перспективой и поиском новых композиционных решений. Характеризуется выделением геометрических форм фигур и предметов, отделением формы от пространства/плоскости

· аналитический (1909-1912) - дробление форм на грани и срезы, построение композиции при помощи коллажа из пересекающихся срезов и плоскостей, стирание граней между формой и пространством, визуальное взаимодействие формы и пространства.

· синтетический (1913-1914) - с помощью геометрических форм и их фрагментов конструируются новые объекты, которые обладают реальностью сами по себе, а не являются изображением видимого мира. Коллажи создаются, в том числе, с помощью аппликаций, которые наиболее часто представляют собой фрагменты газетного листа, вклеенного в композицию.

Едва ли не самым ярким проявлением кубизма стала ранняя живопись великого франко-испанского художника Пабло Пикассо, который в кульминационные периоды своей творческой жизни неоднократно обращался к стилистике кубизма («Герника» 1937)

Футуризм — (от лат. futurum — будущее) течение, проявившееся в живописи и поэзии Италии в 10-20-х гг. 20 в. с претензией создать искусство будущего под лозунгом нигилистического отрицания всего предшествующего художественного опыта. Футуристов интересовало не столько содержание, сколько форма. Его последователи (А. Руссоло, Д. Северини, Д. Балла, К. Карра и др.) стремились отразить динамизм современной машинной цивилизации, воспевали технический прогресс, войну, насилие, жизнь больших городов, что сводилось в живописи к хаотическим комбинациям плоскостей и линий, дисгармонии цвета и формы. Футуристы призывали перенести центр тяжести с изображения человека на изображение его материально-технического окружения. Главный идеолог футуризма Томмазо Маринетти писал «Теплота куска железа или дерева отныне более волнует нас, чем улыбка или слезы женщины». В идеологическом плане футуризм был связан как с правым, так и с левым экстремизмом в лице фашизма, анархизма и коммунизма, претендуя на «революционное» ниспровержение прошлого.

Метафизическая живопись – (ит.pittura metafisica) – направление в итальянском искусстве, возникшее в 1916г., как реакция на радикальный антитрадиционализм футуристов. Художники, вошедшие в это объединение, - Джорджо Де Кирико, Карло Кара, Альберто Савинио, Луиджи Де Пизис, Джорджо Моранди, стремились вернуться к национальной традиции именно в тот исторический период, когда обозначился разрыв с ней. Метафизическая эстетика складывалась и развивалась под влиянием немецкого романтизма, культурных традиций античности и эпохи Возрождения и современных авангардистских теорий. Два основополагающих принципа метафизической поэтики были сформулированы в 1916-1922 гг. Джорджо Де Кирико и Альберто Савинио как «призрачность» и «ирония». Картины «метафизиков», наполненные образами классической архитектуры и пластики, выражали фантастическое измерение, проникнутое ощущением смутного ожидания и беспокойства, где в оцепенелых пространствах маячили фигуры, напоминающие статуи и манекены. Тема манекена становится лейтмотивом картин Де Кирико и Кара. Моранди же, напротив, обратился к натюрморту, в котором предметы уподоблены муляжам или токарным заготовкам. Метафизические полотна полны намеков, ассоциаций, литературных отсылок. В них мечта и метафора становятся основой для выхода реальности за рамки обычной логики, а контраст между реалистической точностью предметов и лирической, выразительной атмосферой усиливает это напряжение.

Абстракционизм – (от лат. abstraction — удаление, отвлечение) направление так называемого «беспредметного», нефигуративного искусства, провозгласившего в живописи и скульптуре отказ от изображения форм реальной действительности и стремящееся к «гармонизации» или отвлеченных цветовых сочетаний, или геометрических форм, плоскостей, прямых и ломаных линий, которые должны вызывать самые разнообразные ассоциации. Основоположниками абстракционизма и его теоретики - Василий Кандинский, Казимир Малевич («Черный квадрат», 1913). В европейской живописи абстрактные картины писали Хуан Миро, Пит Мондриан, Робер Делоне, Пабло Пикассо. Годом рождения беспредметного искусства считается 1910, когда в Германии, в Мурнау, В. Кандинский написал свою первую абстрактную композицию. Эстетические концепции первых абстракционистов предполагали, что художественное творчество отражает закономерности мироздания, скрытые за внешними явлениями действительности. Эти закономерности, интуитивно постигаемые художником, выражались через соотношение абстрактных форм (цветовых пятен, линий, объемов, геометрических фигур) в абстракционистском произведении.^.

В эстетической концепции Пита Мондриана первоэлементами формы являлись первичные оппозиции: горизонталь-вертикаль, линия-плоскость, цвет-не-цвет. Им были разработаны и осуществлены в собственном творчестве основы неопластицизма – (гол. Neoplasticism, от греч. neos - новый и пластика), художественного течения, базирующегося на доктрине «искусства чистой пластики». Неопластицизм утверждал ясность, простоту, конструктивность чистых, неприродных геометрических форм. Обосновывая свою теорию, Мондриан ставил  задачу художника освободить жизненные отношения от погруженности в природные формы, очистить их от природы («денатурализовать») и дать им новое формирование. В стремлении освободить живопись от Мондриан отказывается от фигуративных форм во имя эстетических абстрактных.

Для эстетических программ абстракционистов был характерен универсализм; абстрактное искусство представлялось в них как универсальная модель миропорядка, включающая и устройство окружающей среды, и устройство общества. Работая с первичными элементами живописного языка, абстракционисты обращались к общим композиционным принципам, законам формообразования.

Одним из самых радикальных модернистских течений начала 20 в. стал так называемый дадаизм, зародившийся в 1916г. Швейцарии среди анархиствующей интеллигенции как протест против первой мировой войны и просуществовавший до 1922г. Основатель течения поэт Тристан Тцара обнаружил в словаре слово «дада»: «На языке негритянского племени Кру, — писал Тцара в манифесте 1918 г., — оно означает хвост священной коровы, в некоторых областях Италии так называют мать, это может быть обозначением детской деревянной лошадки, кормилицы, удвоенным утверждением в русском и румынском языках. Это могло быть и воспроизведением бессвязного младенческого лепета. Во всяком случае – это нечто совершенно бессмысленное, что отныне и стало самым удачным названием для всего течения». Дадаисты (Марсель Дюшан, Отто Дикс, Ман Рей, Макс Эрнст и др.) провозгласили: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего». Дадаизм выражался в воинствующем антиэстетизме, своеобразном художественном хулиганстве, страсти к эпатажу обывателя в виде бессмысленных сочетаний слов и звуков, причудливых комбинаций самых разнообразных житейских предметов (консервных банок, старых вещей, деталей инструментов, этикеток, газетных и журнальных вырезок и др.). Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность.        

Перечисленные разновидности модернистского и авангардистского искусства начала 20 в. объединены общим пафосом отрицания предшествующей художественной традиции, но отнюдь не исчерпывают его разнообразия и отличаются размытостью своих критериев и границ.   

В 20-е гг. 20 в. наступил следующий этап модернизма, который характеризует отказ от чрезмерной радикальности творческого самовыражения. Эпоха ниспровержения устоев ушла в историю. В искусство вернулись сюжеты, форма, пространство – но в совершенно особом виде, опираясь на открытия авангардных направлений начала 20 в. 

Парижская школа 20-х гг., или школа эмигрантов (П. Пикассо, А. Модильяни, Х. Сутин, М. Шагал, Л. Фужита, М. Утрилло, М. Кислинг О. Цадкин, К. Бранкузи), развивавшаяся с 1918 по 1925 гг., исповедовала принципы лирического экспрессионизма – стиля, характеризующегося пристальным вниманием к личности человека, его переживаниям. Наиболее характерной чертой лирического экспрессионизма Парижской школы является творческая переработка национального наследия, которое проявляется в произведениях каждого представителя школы – утонченность линеарных ритмов и цветовых пятен картин А. Модильяни отсылают к наследию кватроченто, графические работы Л. Фужиты отличает изысканный строй, типичный для классической японской ксилографии. В работах М.Шагала и Х. Сутина отражены эмоциональность, драматизм и фантазм восприятия мира, типичные для иудейской культуры. Пейзажи М.Утрилло продолжают традиции лирического французского пейзажа 19 в. Творчество П. Пикассо, испанца по происхождению, наполнено в эти годы бурным движением и экспрессией, типичной для национального испанского искусства.

В 1924г. в свет вышел Манифест сюрреализма, провозгласивший новые идеи –призыв к освобождению художника от «оков» интеллекта, от морали и традиционной эстетики, понимаемых им как уродливое порождение цивилизации, закрепостившей творческие возможности человека.

Спецификой сюрреализма (от фр. слова «сверхреальность» — surrealite) является фрейдистский подход к творчеству, провозглашение его первоисточником неконтролируемой разумом сферы подсознания, а методом — чистый психический автоматизм, разрыв логических связей, заменяемых субъективными ассоциациями, искусственным сближением удаленных друг от друга реальностей. Задача «творческого акта» сводится к выявлению «мира подсознательного», к передаче «смутных чувствований», произвольных ассоциаций, сумеречных состояний сознания. Сюрреализм исповедовал эффект абсурда, провозглашенного «сверхреальным». Сюрреалисты исходили из отрицания искусства как средства отражения и познания мира, как вообще одной из форм деятельности человеческого разума. Они рассматривали искусство как средство субъективного самовыражения, позволяющее перейти от «обычной» рассудочной реальности к некоей «сверхреальности», воплощающей подлинную, свободную от оков морали и рассудка природу человека. Яркими примерами сюрреалистического искусства является живопись Сальвадора Дали, Макса Эрнста, Поля Дельво, Ива Танги и Рене Магритта, скульптура Т. Мура.     

Самым успешным художником-сюрреалистом был С. Дали, а самым значительным событием в его жизни была встреча с Е. Дьяконовой, которую он называл Гала или Галарина: «Гала — единственная моя муза, мой гений и моя жизнь, без Гала я никто. Она встала между мной и безумным миром». Французский поэт Андре Бретон писал: «Дали и Гала – не муж и жена и уж тем более не художник и его муза; они – два полушария одного мозга».

В первой половине 20 в. сюрреализм стал заключающим авангардным направлением искусства, охватившим многие его сферы. Именно сюрреализм в музыке, драматургии, литературе, киноискусстве, театре сумел отразить абсурдность эпохи мировых войн, противостоящих друг другу тоталитарных систем, упоения техногенным насилием над природой. Не случайно этот стиль признан стилем 20 в. В своей активной фазе он просуществовал до начала 50-х гг. В творчестве С. Дали он не прекращал своего развития вплоть до 80-х гг. 20 в.

Со второй половины 20 века, особенно в 1960-1970-е гг., на художественную арену выходят абсолютно новые в содержательном плане направления: концептуальное и кинетическое искусство, оп-арт и поп-арт.

Оп-арт (англ. оp art, сокр. От optical art - оптическое искусство) – направление в искусстве, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Оп-арт как движение зародился в 1950-е гг., продолжив рационалистическую линию абстракционизма – геометрическую абстракцию. Основоположник и лидер оп-арта – французский художник венгерского происхождения Виктор Вазарели. Основа оп-арта – в художественно организованных оптических эффектах (эффектах пространственного перемещения, парения, слияния форм), которые достигались геометризированными комбинациями линий и пятен с введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, извивающихся линий, пересечением спиралевидных и решетчатых конфигураций. Иллюзия движения, вспышек света, меняющейся формы и последовательной смены образов возникают в произведениях оп-арта автоматически, т.е. фиктивно, присутствуя только в ощущениях зрителя. В 1960-х гг, оп-арт получил недолгое, но широкое признание не только в живописи, но и в прикладном искусстве: в графике, дизайне, в сфере моды и декоративного макияжа. Мастера оп-арта: Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Хесус Рафаэль Сото, Лари Пунз, Карлос Крус-Диес.

Абстрактный экспрессионизм (англ. abstract expressionism) — школа художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст (капельная техника), для полнейшего выявления эмоций. Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира в хаотических формах, не организованных логическим мышлением. Начальная фаза движения — абстрактный сюрреализм (abstract surrealism) появилась в 1940-е гг. под влиянием идей Андре Бретона. Особый размах движение получило в 1950-е гг. когда во главе его встали Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг.

Гиперреализм (англ. Hyperrealism – сверхреализм; другие названия – суперреализм, фотореализм, холодный реализм, радикальный реализм) - художественное направление в живописи и скульптуре, возникшее в США в 1960-х гг, и распространившееся в 1970-х гг. в Европе. Являясь формой фигуративного искусства, гиперреализм основывается на доскональной точности и детальности воспроизведения действительности, имитирующей специфику фотографии. Произведения гиперреалистов представляют собой детально копированные фотографии, увеличенные до размеров большого полотна. Некоторые художники, работавшие в этом направлении, на самом деле использовали фотографии и цветные слайды как основу для своих работ. При этом сохранялись все особенности фотоизображения, для чего художниками использовались механические приемы копирования: диапроекция, аэрограф вместо кисти, эмульсионное покрытие. Применение таких технологий было не случайным: оно подчеркивало механистичность, устраняло из процесса создания человеческое присутствие, как бы стараясь не допустить собственное, личное видение мира художником. Мир гиперреализма кажется сверхреальным, но неживым, холодным и отстраненным от зрителя.

Цель гиперреализма – изображение повседневных реалий, а главные темы – обезличенная механизированная жизнь современного города, обезличенная живая система в жестком и грубом мире. Его сюжеты нарочито банальны, а образы – подчеркнуто «объективны». Автомобили, жилые дома, рестораны, бензоколонки, телефонные будки, рекламные щиты и редко живые люди – «персонажи с улицы», изображения которых имеют иронический оттенок или полны безысходности. На картинах вырастает образ реальности, но не настоящей, а отраженной своей множественностью в стеклянных витринах магазинов, в полированных кузовах автомобилей, отшлифованных до блеска граните. Точно воспроизведенная художником игра этих отражений создает впечатления взаимопроникновения пространственных зон, запутанного соотношения планов, дезориентируя зрителя, порождая чувство ирреальности.

Поп-арт (анг. Pop art, от popular art – популярное искусство) – направление в искусстве 1950-1960-х гг., для которого характерны использование и переработка символических и знаковых объектов рекламной продукции и массовой культуры. Поп-арт, возникнув как реакция на засилье абстрактного искусства, провозгласил своей целью возвращение к реальности и «раскрытие эстетической ценности» образцов популярной культуры. Абстракционистскому отказу от действительности он противопоставил грубый мир материальных вещей. В продолжение идей дадаизма каждая вещь в определенном контексте теряет свое первоначальное значение и становится произведением. Поэтому и задача художника – придание обыденному предмету художественных качеств. Художники поп-арта, добиваясь броскости и наглядности своих творений, использовали образы и язык рекламы. Признаки массовой культуры обыгрываются по-разному в произведениях поп-арта, но всегда в неожиданных и абсурдных сочетаниях. Начало движению положила «Независимая группа», основанная в Лондоне в 1952 г. (Ричард Хэмилтон, Питек Блейк, Эдуардо Паолоцци и др.), однако мировую известность поп-арт получил в своем американском варианте, в творчестве Р.Раушенберга, Э.Уорхола, Т.Вессельмана, Д.Розенквиста, Р.Лихтенстайна, К.Ольденбурга, которые были в числе инициаторов таких форм искусства, как хэппенинг, инсталляция, энвайронмент.

Искусство 1970-1980-х гг. попыталось вернуться к классическим традициям в эстетике постмодернизма, главной особенностью которой стала эклектичность, смешение стилей разных эпох и национальных субкультур.

Трансаванга́рд (Ит. transavanguardia, от лат. trans и фр. avant-garde) - термин был введен в 1979г. Буквальное значение — «после авангарда», «выходящее за пределы авангарда». Трансавангард противопоставляет себя неоавангарду (концептуальному искусству), он склонен к новой живописности, фигуративности, экспрессивности, ярко выраженному личностному началу, установке на эстетическое наслаждение, свободное сочетание художественных стилей прошлого.^.В 1980-х гг. 20 в. понятие «трансавангард» сильно расширилось и стало синонимом «постмодернизма».^.

Постмодернизм (анг. post-modernism, от лат.post – после и модернизм), – термин, обозначающий художественное движение, объединяющее ряд нереалистических художественных направлений конца 20 в. Постмодернизм явился результатом отрицания отрицания – в свое время модернизм отверг классическое искусство и обратился к новым художественным формам. Однако со временем  он сам стал классикой, которая привела к отрицанию традиций модернизма и возникновению нового этапа художественного развития, провозгласившего возврат к традиционным формам и стилям на новом уровне. Сформировавшись в эпоху преобладания информационных и коммуникационных технологий, теоретических знаний, широких возможностей выбора для каждого индивида, постмодернизм в художественном проявлении вылился в эклектизм. Его характерной особенностью стало объединение в рамках одного произведения стилей образных мотивов и приемов, заимствованных из арсенала разных эпох, регионов и субкультур.

Эта тенденция остается основополагающей и для наших дней. Искусство 20 в., явив собой отсутствие единого Большого стиля предыдущих эпох, представило совокупность авторских стилей, ярко выраженных индивидуальностей в русле разнообразных интернациональных течений.

 

.