Филиппо и Мария Тальоне

Понятие романтизм в искусстве

Романтизм - (фр. romantisme, от средневекового фр. romant - роман) - это направление в искусстве, сформировавшееся в рамках общелитературного течения на рубеже XVIII-XIX вв. в Германии. Получил распространение во всех странах Европы и Америки. Наивысший пик романтизма приходится на первую четверть XIX в.

Что повлияло на возникновение нового стиля?

Великая французская буржуазная революция завершила эпоху Просвещения. Менялись не только формы государства, социальная структура общества, расстановка классов. Писатели, художники, музыканты оказались свидетелями грандиозных исторических событий, революционных потрясений, неузнаваемо преобразивших жизнь. Многие из них восторженно приветствовали изменения, восхищались провозглашением идей Свободы, Равенства и Братства. Но время шло, и они замечали, что новый общественный порядок далек от того общества, наступление которого предвещали философы XVIII века. Наступила пора разочарования. В философии и искусстве начала века зазвучали трагические ноты сомнения в возможности преобразования мира на принципах Разума. Попытки уйти от действительности и в то же время осмыслить ее вызвали появление новой мировоззренческой системы - Романтизма. Для романтизма характерен синтез родов и жанров, их взаимопроникновение. Романтическая художественная система основывалась на синтезе искусства, философии, религии. В эпоху романтизма расцветает не только литература, но и многие науки: социология, история, политология, химия, биология, эволюционное учение, философия. Романтизм сменяет эпоху Просвещения и совпадает с промышленным переворотом, обозначенным появлением паровой машины, паровоза, парохода, фотографии и фабрично-заводских окраин. Если Просвещение характеризуется культом разума и основанной на его началах цивилизации, то романтизм утверждает культ природы, чувств и естественного в человеке. Именно в эпоху романтизма оформляются феномены туризма, альпинизма и пикника, призванные восстановить единство человека и природы. Просветительской идее прогресса и тенденции отбросить всё «устаревшее и отжившее» романтизм противопоставляет интерес к фольклору, мифу, сказке, к простому человеку, возвращение к корням и к природе. Романтизм как метод и направление в художественной культуре был явлением сложным и противоречивым. В каждой стране он имел яркое национальное выражение. Романтики занимали разные общественные и политические позиции в обществе. Они все бунтовали против итогов буржуазной революции, но бунтовали по-разному, так как у каждого был свой идеал. Но при всей многоликости и многообразии у романтизма есть устойчивые черты. Основной задачей романтизма было изображение внутреннего мира, душевной жизни, а это можно было делать и на материале историй, мистики и т.д. Нужно было показать парадокс этой внутренней жизни, ее иррациональность. В своем воображении романтики преображали неприглядную действительность или же уходили в мир своих переживаний. Разрыв между мечтой и действительностью, противопоставление прекрасного вымысла объективной реальности лежали в основе всего романтического движения. Романтизм - культурное явление Европы и Америки. В разных странах его судьба имела свои особенности. В 1840-х романтизм постепенно отходит на второй план и уступает место реализму. Но традиции романтизма напоминают о себе на протяжении всего XIX в.

Романтизм в музыке.

В музыке направление романтизма сложилось в 1820-е годы, развитие его заняло весь XIX век. Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека. Музыка становится более рельефной, индивидуальной. Получают развитие песенные жанры, в том числе баллада. Виднейшими представителями романтизма в музыке являются: Франц Шуберт, Людвиг ван Бетховен (отчасти), Иоганнес Брамс, Фредерик Шопен, Феликс Мендельсон, Роберт Шуман, Луи Шпор, А.А. Алябьев, М.И. Глинка, Даргомыжский, Балакирев, Н.А. Римский-Корсаков, Мусоргский, Бородин, Кюи, П.И. Чайковский.

Романтизм в балете

Считается, что короткий период романтизма стал лучшим периодом всей истории европейского балета. Если прежде символом балета была Терпсихора, то с эпохи романтизма им стала сильфида, виллиса. Дольше всего балетный романтизм существовал в России. Реальному миру они противопоставили мир фантастики и экзотики. Балетный романтизм достиг больших успехов во Франции, где высока была техника танца, особенно женского. Первым романтическим балетмейстером стал Филипп Тальони, поставивший балеты Сильфида (1832) и Дева Дуная (1838) со своей дочерью Марией Тальони в главной роли. Хореографами романтизма были также Жан Коралли (1779–1854), Жюль Перро и Артюр Сен-Леон. Первые проявления романтизма были особенно впечатляющими, причем балет испытывал его влияние дольше, чем многие другие виды театрального искусства. Сюжеты романтических балетов в большей степени опирались на литературный первоисточник. Героинями балетов стали сильфиды и лесные духи виллисы, персонажи кельтского и германского фольклора. Облик танцовщицы в белом тюнике, воплощавший неземное существо с веночком на голове и крылышками за спиной, придумали французские художники-костюмеры И. Леконт, Э. Лами, П. Лормье. Поднялась роль кордебалетного танца, в единое целое слились танец и пантомима, сольный, кордебалетный и ансамблевый танец. Благодаря развитию пальцевой техники новым танцевальным стилем стала воздушная полетность движений. В романтических балетах противопоставлялись два мира - мир реальный и мир фантастический, мир мечты. Это оказывало влияние на оформление спектакля, на всю его атмосферу. Изображение фантастического мира не требовало от балетмейстера и танцовщицы частных бытовых оправданий всех движений и поз танца. Это позволило использовать всю накопившуюся к тому времени балетную технику и способствовало дальнейшему развитию классического танца. Женский танец полностью затмил мужской, мужчин-танцоров во множестве случаев окрестили просто двигающимися статуями, существующими только для того, чтобы балерины на них опирались. Содержание балета и чувства героев раскрывались с помощью танцевальных движений, танец и пантомима переплетались естественно и незаметно, танец стал основным выразительным средством балетного спектакля. Драматизация балета требовала развития балетной музыки. Прежде балетная музыка часто была сборной, она служила фоном и ритмическим сопровождением танца. Теперь ее роль возросла, музыка становится авторской, задает атмосферу спектакля, соответствует драматургическому развитию действия, дает образные музыкальные характеристики героям. Музыку большинства балетов эпохи романтизма писали композиторы, специализировавшиеся в легких жанрах. Наиболее значительным среди них был А. Адан, автор музыки Жизели и Корсара. Балетная музыка в те времена писалась по заказу, и не предполагалось, что это достаточно серьезное произведение, чтобы исполнять его в концертах; пассажи, предназначенные для танца, были мелодичны, а построение их отличалось простотой, в то время как музыка должна была лишь сопровождать эпизоды, создавая общее настроение спектакля. Вершиной романтического балета стала «Жизель» (1841 г.), поставленная на сцене Парижской оперы Ж. Коралли и Ж. Перро по либретто Т. Готье на музыку А. Адана. В «Жизели» достигнуто единство музыки, пантомимы и танца. Помимо пантомимы, действие спектакля развивали музыкальные и хореографические лейтмотивы, интонационная выразительность мелодии давала героям музыкальные характеристики. Адан начал процесс симфонизации балетной музыки, обогащения ее арсеналом выразительных средств, присущих симфонической музыке.

 

Филиппо и Мария Тальоне

В XVIII веке окончательно сформировались основные черты итальянской школы танца. В ту пору итальянская школа отличалась динамизмом, тяготением к быстрым темпам, экспрессивной мимикой, жестковатым рисунком движений рук. К началу XIX века репертуар итальянского театра был разнообразным по тематике и жанровым признакам. Жизнь подсказывала темы, помогала определить направления репертуара. Постепенно менялись художественные приемы и средства художественной выразительности. Новые действующие лица не олицетворяли отдельные страсти, а являлись живыми людьми с их разнообразными психологическими переживаниями. На первый план выходили не столкновение героев, а их внутренние переживания, соответственно был изменен и хореографический рисунок, акробатические трюки уступали место более простому, но и более ”певучему” танцу - это были признаки нового стиля в балете - стиля романтического танца. Создателями его были итальянский танцовщик и балетмейстер Филипп Тальони и его дочь Мария Тальони. Балетмейстер, педагог, создатель стиля воздушного танца - Филипп Тальони сочинял свои балеты, ориентируясь на мотивы произведений ранних романтиков, черпая сюжеты из фантастических баллад и преданий, и почти в каждом его балете действие развивается в двух направлениях - реальном и фантастическом, жизнь идет параллельно в мире людей и в мире грез. А идеальной воплотительницей замыслов Ф. Тальони была его дочь Мария - прославленная балерина, утверждавшая новый стиль поэтического, воздушного танца. Поэтичным был весь её сценический облик, а пластика отличалась естественностью, легкостью, воздушностью.

Фили́ппо Тальо́ни

 

Фили́ппо Тальо́ни — итальянский танцовщик и педагог, выдающийся хореограф эпохи романтизма. Представитель знаменитой итальянской балетной династии, отец балерины Марии Тальони и танцовщика и хореографа Поля Тальони. Родился в семье танцовщика, балетмейстера и импресарио Карло Тальони и (предположительно) танцовщицы Марии Петракки. Филиппо Тальони начал свою артистическую деятельность в 1794 году, выступая в различных театрах Италии, в 1795-1798 годах был первым танцовщиком в театрах Ливорно, Флоренции, Венеции, Турина, Милана.Дебютировал в Пизе в возрасте 17 лет, после чего танцевал в различных труппах Италии. В 22 года впервые вышел на сцену Парижской Оперы. В 1802 году был приглашён в Стокгольм, в труппу Королевского балета на должность первого танцовщика и балетмейстера.9 октября 1803 года Филиппо женился на танцовщице и художнице Софии Эдвиге Карстен.В 1805-1828 годах работал в театрах Вены, Мюнхена, Штутгарта. Поставленный в Вене балет «Атланта и Иппомен» (1805) стал балетмейстерским дебютом танцовщика. В 1830-1836 годах Тальони был балетмейстером Парижской оперы, на сцене которой поставил дивертисменты в операх: «Бог и баядерка» (1830) Д.Ф. Обера, «Густав III, или Бал-маскарад» (1833) Д.Ф. Обера, «Роберт-дьявол» (1831) Дж. Мейербера, «Гугеноты» (1836) Дж. Мейербера, «Жидовка» Ф. Галеви (1835), балеты: «Сильфида» и «Натали, или Швейцарская молочница» А. Гировеца и М. Э. Карафы ди Колобрано - оба 1832, «Восстание в серале» Т. Лабара (1833), «Бразилия, или Племя женщин» В.Р. Галленберга (1835), «Дева Дуная» (1836). Вместе с дочерью он гастролировал в в Петербурге, где поставил спектакли: «Гитана, испанская цыганка» И.Ф. Шмидта и Обера, «Миранда, или Кораблекрушение» на музыку Обера и Дж. Россини (оба 1838), «Тень» Л.В. Маурера (1839), «Морской разбойник» А. Адана (1840), «Аглая, или Воспитанница Амура» (1841), «Герта» и «Дая» (1842) — все Келлера. Впоследствии Тальони работал в театрах Швейцарии, Германии, Австрии, Италии. В «Ла Скала» поставил спектакли: «Сатанилла, или Любовь и ад» Ф. Бенуа и Н. Ребера (1842), «Пери» Дж. Паниццы (1843).Значительную часть творческой жизни Тальони посвятил хореографическому образованию и сценической карьере своей дочери Марии. Многие его постановки были осуществлены в расчете только на ее исключительные данные. Обученная по методу отца, Мария Тальони обладала удивительной устойчивостью, была способна долго стоять на кончике носка или парить в прыжке, задерживаясь, и как бы повисая в воздухе. Балетмейстер-новатор создал новый стиль танца, который называли воздушным. Он расширил тематику балетных спектаклей, раздвинув границы жанра, вводил в балетные спектакли жанрово-бытовые эпизоды, стилизованные народные танцы и пантомимы.Филиппо Тальони стал одним из новаторов хореографического искусства. В 1832 году Филиппо Тальони поставил для своей дочери балет "Сильфида" на сцене Парижской оперы, в котором с наибольшей полнотой были воплощены художественные принципы романтизма, что способствовало утверждению на сцене более разнообразной тематики, совершенствованию и углублению выразительных средств (он вводил жанрово-бытовые эпизоды, стилизованные народные танцы и пантомимические сцены) и техники классического танца (Тальони первым применил танец на пуантах, для создания романтических образов провел реформу костюма – воздушный костюм - туника). Создание нового исполнительского стиля было неотделимо от реформы балетного спектакля в целом, коснувшейся также декорационного оформления (балетмейстер использовал в спектаклях полеты, сценические трюки, превращения). Тальони был выдающимся педагогом классического танца. Балет «Сильфида» впоследствии стал символом романтического балета. Музыку к нему написал композитор Ж. Шнейцхоффер. Сильфида - дух воздуха - была гостьей на земле, ее воздушность балетмейстер подчеркивал в танце: в нем преобладали прыжки, парения над сценой. Филипп Тальони поднял на новый уровень эмоциональную выразительность кордебалетного танца, придал новый смысл синхронности движений, широко использовал принцип фуги – когда группы танцовщиц одна за другой повторяли и варьировали цикл заданных движений. Впоследствии идеи Тальони получили развитие и у Петипа, и у Фокина, и у их последователей. Родился балетный симфонизм.Тальони был выдающимся педагогом классического танца. После 1862 года он оставил педагогическую и сценическую деятельность. Из его балетов наиболее продолжительную жизнь имела «Сильфида». Дети Филиппо Тальони продолжили дело отца. Выдающейся балериной стала Мария Тальони. Сын Поль (Паоло) Тальони (1808-1884) как танцовщик выступал во многих городах Европы, часто с сестрой Марией; ставил балеты в Лондоне, Милане, в 1856-1883 годах был балетмейстером Берлинской оперы.Балет, в том виде, каком мы знаем его сегодня, многим обязан Филиппо. Именно Тальони реформировал устаревшие приёмы. До него балет по большей части состоял из пантомимы, Тальони же главным выразительным средством сделал танец.

Мария Тальони

Мария Тальони (1804-1884) - итальянская балерина, с 1828 года ведущая солистка Парижской оперы. В 1837-1842 годах выступала в Петербурге. Гастролировала во многих городах Европы. В историю театра вошла как выдающаяся романтическая балерина, впервые использовавшая в танце пуанты. Мария родилась в семье балетмейстера и хореографа Филиппо Тальони. Мария училась в Вене, Стокгольме, а затем в Париже у Франсуа Кулона, затем у отца. Девочка не обладала ни балетной фигурой, ни особой внешностью. Тело ее было непропорционально сложено: руки чрезмерно длинны, талия была короткой, а спина сутулой, за что соученицы по школе Кулона прозвали ее маленькой горбуньей. Несмотря на это ее отец решил сделать из нее балерину. Он решил, что старая французская система обучения танцам не подходит ее индивидуальности и стал заниматься с ней сам. Это была очень жестокая школа. Отец требовал от дочери безукоризненно простых, благородных, лишенных малейшего налета фривольности движений. Более того, его муштра преследовала фантастическую цель - преодолеть земное притяжение. Все, что разрешалось Марии, - это слегка, незаметным усилием оттолкнуться от земли, чтобы лететь. Долгие часы занятий порой кончались обмороком. Стертые в кровь пальцы ног не успевали зажить, как отец снова ставил ее к станку. В 1822 году он поставил балет «Приём молодой нимфы ко дворцу Терпсихоры», с которым Мария дебютировала в Вене. Танцовщица отказалась от присущих в то время балету тяжёлых нарядов, париков и грима, выходя на сцену только в скромном лёгком платье. Парижскую публику Мария покорила в 1827 году в «Венецианском карнавале», с тех пор она часто танцевала в парижской Гранд-Опера. Затем она танцевала в Лондоне, в театре Ковент-Гарден. В марте 1832 года в парижской Гранд-Опера состоялась премьера балета «Сильфида», ознаменовавшего начало эпохи балетного романтизма. Именно она тогда ввела в балет пачку и тогда же впервые продемонстрировала танец на пуантах-пальцах ног. После премьеры Мария Тальони сразу стала мировой знаменитостью. В длинных туниках из прозрачного белого тарлатана, в веночке, с голубыми крылышками на спине, она бесшумно летала по сцене. Казалось, что её ножки в розовых атласных туфельках не касаются пола. В отдельных эпизодах балета “Сильфида” артистка как бы замирала в воздухе, казалась невесомой и бесплотной. Её репертуар состоял, главным образом, из постановок отца. Лучшие роли её были в балетах: «Бог и баядерка», «Сильфида», «Зефир и Флора». По свидетельству очевидцев, танцы Тальони были воплощением грации и изящества. В 1832 году Мария вышла замуж за графа де Вуазен, но продолжала носить девичью фамилию и не оставила сцены. Закончив выступления в 1847, жила преимущественно на виллах Италии. Давала уроки балета. Некоторое время сожительствовала с русским князем А. В. Трубецким, от которого родила сына^[3]. Князь Трубецкой позднее женился на её дочери от брака с Вуазеном. Тальони ещё только однажды появилась в Париже с целью поощрения своей ученицы Эммы Ливри, восходящей звезды, воскресившей на некоторое время позабытые с уходом Тальони классические балетные традиции. С именем Ливри связана единственная балетмейстерская работа Тальони: для неё она поставила балет «Бабочка» (либретто А.де Сен-Жоржа, музыка Ж. Оффенбаха). Свой долгий век великая балерина окончила в ужасающей бедности, зарабатывая на существование уроками танцев, а умерла она в канун дня своего рождения — 22 апреля 1884 года в Марселе.

Новый стиль, созданный Тальони, была чрезвычайно существенным шагом для последующего развития этого искусства. Во первых, одним из главных отличий новых балетных спектаклей было то, что сюжет излагался средствами танца, воздушного, прыжкового, легкого, по сравнению с балетами XVIII века, где главным выразительным средством была пантомима. Еще один шаг вперед в этот период заключался в том, что на первый план начала выходить балерина - ибо XVIII век хореографии был веком мужского танца, на протяжении которого один за другим появлялись выдающиеся танцовщики-виртуозы, а женщины в своих тяжелых костюмах не могли даже составить с ними равноправный дуэт, не говоря уже о том, чтобы солировать в балете. Это стало возможным благодаря введению нового костюма, близкого к модам того времени и простого по покрою и отделке, а также в первую очередь благодаря серьезной подготовке танцовщиц - ежедневной танцевальной практике и четкому режиму. Правда, с выходом балерины на ведущую роль, мужские образы были отодвинуты на второй план. (Это, конечно, не было положительным явлением, но достаточно закономерным). Только на рубеже XIX - XX веков в России началось возрождение мужского танца. Наконец, в третьих, изменилась структура спектакля, дует постепенно становится основой, центром танцевальной партитуры; также важное место занимают массовые танцы, причем кордебалет синхронно выполняющий свою партию, как бы играл роль “хора”, на фоне которого выступала солистка, а так как их партии строились на однородных движениях, то технически более сложная партия солистки выглядела еще эффектнее. Одним из самых главных достижений было то, что в романтическом балете утвердилась пальцевая техника, танец на носках, который в последующее время был доведен до совершенства. Новая форма танца, простая по своему рисунку, но трудная по своей технике, значительно расширяла рамки танцевальной выразительности.

 

 

Жюль Перро

Перро Жюль Жозеф (1810 - 1892) - французский артист, балетмейстер и педагог, один из крупнейших представителей школы «романтического балета». О его жизни сохранились противоречивые сведения. Отец Перро был машинистом сцены лионского театра. В 9 лет Жюль начал учиться танцевать, но особенно хорошо выступал в жанре пародии. Первыми его ролями на сцене были Полишинель и Обезьяна в цирковых представлениях. Это наложило отпечаток на своеобразие его актерской манеры и прославило Перро как выдающегося артиста-акробата. Передвигаясь вместе с бродячими труппами, 10-тилетний Жюль добрался до Парижа. Там Перро берет уроки у знаменитого танцовщика О. Вестриса, который разглядел в юном танцовщике талант и не испугался его неблагоприятной внешности. Жюль Перро был, как пишут о нём во всех хрониках, крайне некрасив. Его внешность и нескладная фигура, мешали ему реализоваться на классической сцене. Но Вестрис создал для Жюля особый "жанр Перро" - жанр "зефира с крыльями летучей мыши", суетливого существа неописуемой легкости и гибкости. Вот какие инструкции давал ему его прославленный учитель Вестрис: "Прыгай с места на место, вертись, кружись, но только никогда не давай публике времени присмотреться к тебе". Дебют Перро, состоявшийся в 1830 году на сцене Парижской оперы, был встречен публикой «на бис». В связи с тем, что отношения у Перро с его партнёршей, танцовщицей Марии Тальони, со временем испортились, танцор через несколько лет был вынужден покинуть Парижскую оперу. Перро гастролирует на важнейших балетных сценах Европы: в Лондоне, Милане, Вене и Неаполе. В последнем он знакомится с Карлоттой Гризи, которую обучает танцевальному мастерству. Начиная с 1836 года Перро выступает как хореограф. В Англии Карлотта Гризи выступала под именем мадам Перро, но официальный брак не был заключен. В 1837 году у них родилась дочь Мари-Жюли. В 1840 году Карлотта успешно дебютировала в опере «Зингаро», и дирекция Оперы предложила ей контракт. Карлотта поставила условие – она придет в Оперу только вместе с Перро. Дирекция согласилась, ему разрешили поставить несколько балетов, но обещание было туманным. Впрочем, он и не рвался к немедленной работе над большим спектаклем. Он занимался репетициями и карьерой Карлотты, а также поставил для нее балет «Фаворитка» на музыку Доницетти. Для подлинного торжества Карлотты Гризи требовался настоящий романтический балет с высокими чувствами и прекрасной героиней. Так появился на свет сценарий одного из самых печальных и прекрасных балетов – «Жизель». Сюжет его рассказывал о любви крестьянской девушки к графу Альберту. Главная партия предназначалась Карлотте, графом Альбертом стал молодой и красивый танцовщик Люсьен Петипа, старший брат знаменитого Мариуса Петипа. Перро работал самозабвенно – он предвидел настоящий успех. А Карлотта увлеклась своим партнером. Узнав об этом, Перро устранился от работы над спектаклем. Завершал постановку балетмейстер Жан Каралли, который с самого начала принимал в ней участие. Ему и досталась вся слава. Имя Перро даже не упоминалось в афише. 28 июня 1841 года в Опере состоялась премьера балета «Жизель, или Виллисы». Успех превзошел все ожидания. А Перро уехал в Лондон. Там он получил все возможности для работы – и в итоге получилось, что свои самые известные балеты создал именно в Англии. Перро сам писал сценарий. Сочиняя танцы, сразу же напевал мотивы композитору. Кроме лондонской постановки «Жизели» Перро создал балеты «Альма, или Мертвая девушка» в 1843 году (балет, поставленный для Фанни Черрито), «Ундина» в 1843 году, «Эсмеральда» в 1844 году, «Суд Париса» в 1846 году. Кроме того, он много работал над тем, чтобы в эпоху женского танца мужской перешел из разряда «вспомогательного» в разряд самоценного, и в балете появились сложные по рисунку самостоятельные партии танцоров. В 1845 году в Лондоне вообще собрались четыре звезды – Гризи, Черрито, Люсиль Гран и Мария Тальони. Для них Перро создал свой знаменитый «Па-де-катр». Перед ним стояла трудная задача – не только примирить в своей постановке четырех самых выдающихся примадонн балета (из ведущих балерин в нём не участвовала только Фанни Эльслер), но и создать такую хореографию, которая выгодно подчеркнет особенности таланта каждой. Это удалось. Потом Перро уехал в Вену – возможно, по договоренности с Фанни Эльслер. Там он поставил для нее балет «Фауст», ее прощальный балет, и сам исполнил в нем роль Мефистофеля. И, наконец, Перро отправился в Россию. По некоторым источникам, он хотел, чтобы в жизни наконец появилась стабильность. В 1851 году он был принят в труппу императорского театра сперва как танцор, а потом уже стал главным балетмейстером. Ему было что предложить – и новые редакции своих лучших спектаклей, и оригинальные постановки. К тому же он знал всех прославленных балерин Европы и мог ставить спектакли с учетом их таланта и возможностей. Он поставил в России восемнадцать балетов – и самые удачные, кажется, были те, что имели серьезную литературную основу. Это были «Эсмеральда» (по мотивам «Собора Парижской Богоматери» Виктора Гюго), «Фауст» (по мотивам пьесы Гёте) и «Корсар» (по мотивам поэмы Байрона). «Корсар» стал его последним петербургским спектаклем – Перро поссорился с тогдашним директором императорских театров Сабуровым и уехал, увозя с собой молодую жену – бывшую ученицу театральной школы Капитолину Самовскую. В 1859 году, вернувшись в Париж, Перро вновь появляется в Опере – но уже в новом качестве. Он стал балетным педагогом.

Он купил виллу в Бретани, жил там, воспитывал двоих детей. И скончался 29 августа 1892 года, получив солнечный удар на рыбалке.

 

Август Бурнонвиль

Август Бурнонвиль (1805 - 1879) - датский балетмейстер, хореограф, педагог, родился в Копенгагене в семье французского балетмейстера.

В семь лет Августа отдали в танцевальную школу. Датская балетная школа была создана по французскому образцу, танцовщиков обучали трем «специальностям» – академическому «серьезному» танцу, демиклассическому и, наконец, характерному и гротесковому. Отец Августа, Антуан Бурнонвиль, преподавал академическую технику. Кроме того, мальчик ходил по вечерам в частную школу, где обучали языкам, Закону Божьему, истории и географии. На образование родители денег не жалели – когда Августу исполнилось тринадцать, его учителем музыки стал известнейший датский скрипач Фредерик Вексхалль. Брал мальчик и уроки рисования. Все это было в духе Новера, который предъявлял огромные требования к образованию танцовщика. Как всякого театрального ребенка, Августа занимали в спектаклях – не только в балетах, но и в пьесах, в водевилях. И он поражал режиссеров своим рвением и талантом. Кроме того, он с ранней юности вел дневник. Четырнадцатилетний мальчик придавал методу преподавания огромное значение. В 1820 году совершенствовался в Париже у балетмейстера О. Вестриса. Выступал совместно с балериной М. Тальони. После учёбы стал солистом Королевского балета в Копенгагене. В 1830-1848 гг. работал балетмейстером и педагогом датского Королевского балета. С Бурнонвилем заключили контракт на восемнадцать лет. Первой его премьерой был балет «Поклонение грациям», три недели спустя – «Сомнамбула». В 1836 году, Бурнонвиль поставил свою «Сильфиду» в Копенгагене. И в ней сразу определил свои приоритеты в романтическом балете. Датский романтический балет – более земное и камерное направление с фольклорными мотивами, где большую роль играет пантомима и больше внимания уделено мужскому танцу, меньше пользуются пальцевой техникой, а женские роли второстепенны. Кстати, эти особенности характерны и для датского балета настоящего времени. Эта «Сильфида» была очень далека от парижской – Бурнонвиль заказал новую музыку, много думал над сюжетом, пытаясь его христианизировать. При этом он требовал полнейшего реализма в декорациях и поставил на службу искусству механику. Не только Сильфида порхала над землей при помощи тросов и блоков – у нее самой на спине был маленький аппарат, благодаря которому крылышки все время трепетали. Перед сценой смерти его меняли на другой, при помощи которого крылья в нужную минуту отваливались. Роль Джеймса исполнял сам Бурнонвиль. В сравнении с парижской версией эта партия была обогащена танцами. Бурнонвиль стремился уравновесить значимость Джеймса и Сильфиды, поскольку каждый из них представляет свой мир: она – духов воздуха, он – земных людей. В 1842 году состоялась премьера балета «Неаполь». А в 1861-1864 гг. - главный балетмейстер и педагог Королевской оперы в Стокгольме. Бурнонвиль был талантливым балетмейстером и поставил свыше 50 балетов. Около 15 сохранилось в репертуаре датского балета до сегодняшнего дня. Лучшие из них: "Ярмарка в Брюгге", "Далеко от Дании", "Неаполь", "Народное предание", "Сильфида". Бурнонвиль весь свой талант отдал балетному искусству, произведя в нем революцию: у мужчин он развил прыжковую технику, виртуозность и энергичность, ввел характерные и национальные танцы, придал балетным персонажам мимическую выразительность. Балетмейстер придал датскому балету национальное своеобразие, использовал в постановках национальный танцевальный фольклор, вводил национальные танцы других стран, использовал большое количество пантомимных эпизодов. Действие балетов Бурнонвиля происходит в разных странах: в Дании, Италии, Шотландии, России, Южной Америке. Хореограф, наконец, создал свой метод преподавания в хореографической школе, который зафиксирован в истории балетной педагогики как "урок Бурнонвиля". «Школа Бурнонвиля» – это специальный стилевой тренинг, при котором составляется программа сразу на неделю: есть класс для понедельника, вторника и так далее. В сущности, сегодняшней «школой Бурнонвиля» мы обязаны его ученику, Хансу Беку, который уже после его смерти, в конце девятнадцатого века, собрал и систематизировал все элементы фирменной техники своего учителя. Занятия проводятся с понедельника по субботу. В понедельник, после выходного дня, нагрузка поменьше, к концу недели она возрастает, при этом тщательно прорабатывается мелкая техника и большое внимание уделяется прыжкам – для детей даже проводят занятия на батуте. А упражнения в конце урока – это уже почти вариации, мужские и женские. Методика Бурнонвиля до сих пор входит в практику датского балета. Она появилась в европейских театрах еще в девятнадцатом веке, а вот балеты стали широко известны за пределами Дании лишь после Второй мировой войны. Среди учеников Бурнонвиля — Люсиль Гран и Христиан Иогансон.

Август Бурнонвиль скончался в Копенгагене 30 ноября 1879 года.

 

Фанни Эльслер

Э́льслер Фанни (1810—1884), австрийская артистка балета. Одна из ведущих представительниц романтического направления в балетном искусстве. Известная танцовщица родом из Вены, где она и дебютировала.

Искусство танца Фанни Эльслер изучала вместе со старшей сестрой Терезой в балетной школе при Венском Бургтеатре.

Громкий успех пришёл к Фанни Эльслер в 1830 году в Берлине, а затем в Париже и подкреплён был её последующими турне по Европе, Северной Америке и Кубе (1840—1841), России (1848—1850). Помимо удивительного искусства хореографического, Фанни Эльслер отличалась замечательной красотой и подкупающей привлекательностью. Мимика её была полна тончайшей выразительности. Приглашенная затем в Америку, Э. и там очаровала зрителей. Исполняла главные партии в балетах балетмейстера Ж. Перро («Жизель» А. Адана, «Эсмеральда» и «Катарина, дочь разбойника» Ч. Пуни).

Большой популярностью пользовались исполняемые ею народные танцы — краковяк, полька, качуча и другие. Часто выступала со своей сестрой, тоже танцовщицей Терезой Эльслер — вплоть до 1850 года, когда Тереза вышла замуж за принца Адальберта Прусского. В 1851 году Ф. Эльслер, находясь на пике своей славы, неожиданно оставила сцену и сосредоточилась на частной жизни. Её последнее выступление состоялось в родной Вене, после чего она до 1854 года жила в Гамбурге. В 1854 году балерина окончательно возвратилась в Вену. Похоронена на Хитцингском кладбище.

В 1894 году в её честь была названа одна из улиц Вены. Её имя носят также улицы в Гамбурге и в Айзенштадте.

Она не придерживалась на сцене академических канонов. Танцуя, как отмечал в своей статье французский писатель Теофиль Готье, «всем телом от кончиков волос до кончиков пальцев», она разрабатывала технику мелких красивых движений. В таких танцах, как качуча, мазурка, краковяк, тарантелла, русская пляска, которую Эльслер исполняла в алом сарафане и бриллиантовом кокошнике, она считалась непревзойденной.

Действительно, природа щедро одарила балерину. Она будто никогда не чувствовала утомления, ее дыхание оставалось ровным даже после того, как она повторяла труднейший номер на бис. Танцовщица обладала необыкновенной гибкостью и ловкостью при довольно «пышной стройности». Свобода, раскованность ее пластики буквально завораживали зрителей.

Называли еще одну особенность, свойственную героиням Эльслер. В них не было трагической обреченности, как в тальониевской Сильфиде. Они не выглядели беспомощными ни перед роком, ни перед жизненными неудачами. Эта тема особенно выразительно решалась Эльслер, когда речь заходила о любви.

Обладая особым даром пантомимы, она поднималась до высот трагического искусства в передаче разнообразных чувств.

 

 

Карлотта Гризи

 

Карло́тта Гризи́ (Каронн Адель Джузеппина Мария Гризи; 1819—1899) — прославленная итальянская балерина, первая исполнительница Жизели.

Карлотта Гризи родилась 29 июня 1819 года. Принадлежала к известной артистической семье. Как это ни покажется странным, родители Карлотты никакого отношения к сценической стезе не имели. Её отец Винченцо Гризи работал в отделе общественной инспекции, её мать Мария тоже не была ни актрисой, ни музыкантом. Тем не менее, вся семья была театральной, в первую очередь, «оперной»: Старшая сестра Карлотты — Эрнеста была певицей, кузины и тетка тоже были известными певицами, а дядя был одним из преподавателей вокала.

Карлотта пошла в семью — у неё тоже проявились вокальные способности. Но это её тогда мало интересовало. С детства она мечтала о балете. В 7 лет она была зачислена в школу при Ла Скала в Милане, где училась у Гийе. А в 10 лет она уже танцевала в кордебалете на сцене прославленного Ла Скала, исполняя детские роли в балете «Ипермнестра».

Когда ей было 14 лет, в 1834 году её сестра оперная певица Эрнеста гастролировала по Италии, и Карлотта отправилась в турне вместе с ней: старшая сестра пела, младшая исполняла балетные танцы. Эта поездка перевернула всю дальнейшую судьбу юной Карлотты. Они выступали в нескольких итальянских городах, в том числе и в Неаполе, где в это же время находился известный французский хореограф Жюль Перро, он увидел юную танцовщицу и заметил её дарование.

До 1851 года Гризи танцевала в Лондоне. В это время Жюль Перро получил приглашение на работу в Россию, в Санкт-Петербург, на должность главного хореографа Императорского театра. Карлотта Гризи отправилась в Россию вместе с ним, получив должность балерины Императорских Театров, которую занимала с 1851 по 1853 год.

Среди ее танцевальных работ в России: «Жизель» в Большом Каменном театре (но первой исполнительницей Жизели на русской сцене уже была Фанни Эльслер) и балеты, поставленные специально для нее Жюлем Перро: «Наяда и Рыбак» (1851), «Своенравная жена» А. Адана с добавлением музыки Ц. Пуни, «Война женщин, или Амазонки XIX века» (1852), «Газельда, или Цыганы» (1853), «Катарина, дочь разбойника» Ц. Пуни (1853, главная партия Катарины); работы с другими балетмейстерами — в том числе Жозефом Мазилье, поставившим для неё два маленьких балета: «Красавица Ганга» и «Зелёный-зелёный»; участвовала в возобновлениях балетов Шерля Дидло: «Венгерская хижина, или Знаменитые изгнанники», «Амур и Психея».

В 1853 году Карлотта Гризи уехала в Варшаву, в Польшу, с крупнейшим польским магнатом князем Леоном Радзивиллом (Prince Leon Radziwill). Танцевальная карьера её закончилась в 34 года. В том же 1853 году у неё родилась дочь Леонтина (Léontine Grisi) от Леона Радзивилла, с которым они так и не поженились и очень скоро расстались.

А Жюль Перро, ещё оставаясь в России, женился на купеческой дочери, ученице русского императорского театрального училища Капитолине Самовской, с которой покинул Россию в 1859 году, уступив место главного хореографа Артуру Сен-Леону, когда-то начинавшего свою карьеру под его руководством.

Карлотта Гризи больше к сцене не возвращалась никогда.

Карлотта Гризи обосновалась в Швейцарии, в провинциальном местечке Сен-Жан близ Женевы, и последующие 46 лет провела тихо и уединенно. Вся дальнейшая жизнь некогда блестящей красавицы, покорительницы мужских сердец, высочайшей звезды сцены прошла в беззвестности. Страшные еще 46 лет полного одиночества и забвения.

Карлотта Гризи скончалась 20 мая 1899 года, за месяц до своего 80-летия. Её кончина прошла почти незамеченной.