2020-06-29
66Благодаря Государственному музейному фонду, работавшему в первые годы после Октябрьской революции, коллекция музея после 1917 года стремительно росла. Были восполнены большие пробелы в коллекции, например, какое-то время в музее вообще не были представлены некоторые течения русской живописи, а собрание некоторых было крайне скудным.
В 1922 году экспозиция музея впервые была выстроена по научно-историческому принципу, что вывело музей на качественно новый уровень. Но одного лишь здания Михайловского дворца было недостаточно для разросшейся коллекции, и постепенно музей начал «завоевывать территорию». В 30-х годах занятые до той поры арендаторами корпус Бенуа флигель Росси в Михайловском дворце были освобождены и перешли к Русскому музею, а чуть позже из родительского гнезда Русского музея «съехал» этнографический отдел, ставший Государственным музеем этнографии народов СССР. В 40-х годах корпус Бенуа и Михайловский дворец даже соединили специальным переходом.
Большая гостиная Михайловского дворца в Санкт-Петербурге Луиджи Премацци.
Музей во время войны Благодаря усилиям преданных своему делу людей можно многого добиться.
История создания Русского музея довольно интересна. Но судьба, которая была уготовлена зданию, очень печальна. С началом войны большая часть музейного фонда была вывезена из Ленинграда в Пермь. Именно там предстояло пролежать шедеврам мировой живописи самые страшные годы. Но, конечно, было просто немыслимо вывезти все экспонаты. Поэтому часть музейной коллекции осталась в стенах здания. Чтобы сохранить полотна и скульптуры, сотрудники музея бережно укрывали их в подвалах замка. Некоторые габаритные экспонаты не могли поместиться в узкие подвалы, так что они были закопаны в парке музея. Все усилия сотрудников были потрачены не напрасно. Благодаря их стараниям у нас есть возможность любоваться шедеврами мирового искусства.
В начале XXI века во владения Русского музея перешли Летний сад с коллекцией мраморных скульптур (да, да, в Летнем саду сейчас стоят лишь копии), а также расположенные в нем Летний дворец Петра I, Кофейный и Чайный домики. Домик Петра I на Петровской набережной, который также принадлежит Русскому музею, сперва был построен из бревен, но через некоторое время был укрыт каменным, а чуть позже — кирпичным чехлом. Слайд 12.
В числе самых знаменитых произведений искусства, хранящихся в Русском музее, можно назвать:
Лучшее изображением Петра, из всех, созданных Иваном Никитиным, является так называемый портрет в круге. Слайд 13. Из глубины тёмного, почти черного, фона, выступает освещенное золотистым тёплым светом лицо. Сама форма круга концентрирует внимание на чертах лица. Немолодой, очень волевой человек в черном. Время явственно наложило печать на мясистое, круглощекое, энергичное лицо: морщины, складки, отёки. Ничего царского. Лишь некоторый переизбыток многих желаний и энергий. В зрелом внимательном взгляде усталое раздумье.
Иван Никитич Никитин был первым из плеяды замечательных мастеров русской реалистической живописи. Один из «птенцов гнезда Петрова», он работал в пору великих преобразований начала XVIII века, один из первых получил европейское образование.
Родился в Москве в семье священника. Был певчим в патриаршем хоре, потом учителем рисования и «цифири», то есть арифметики, в артиллерийской школе.
В 1716 году, путешествуя по Европе, Петр I пишет жене:
«Попались мне навстречу Беклемишев и живописец Иван. И как они приедут к вам, тогда попроси короля, чтобы велел свою персону ему списать; также и протчих каво захочешь, а особливо свата, дабы знали, что есть и из нашего народа добрые мастеры».
Речь шла о портретах польского короля и герцога Мекленбургского и о русском живописце Иване Никитине. Живопись еще только зарождалась в русском искусстве, приходя на смену иконописи. Такие же первые робкие шаги делал портрет. И тем не менее Петр не усомнился в успехе своего мастера, хотя тому предстояло выдержать соревнование с прославленнейшими портретистами, которые работали при дворах европейских монархов. Л.Каравакк, Натье. Не усомнился и не ошибся.
Как объяснить появление в условиях России тех лет, среди иконописцев и икон, когда еще попросту не у кого и не на чем было учиться живописному мастерству, художника европейского уровня, виртуоза смелого и самобытного. Откуда появилось его умение увидеть и безошибочно наметить человеческий характер, почти настроение, передать сложнейшую игру светотени — то, к чему будут стремиться спустя полтораста лет импрессионисты. Но именно поэтому имя Ивана Никитина не только открывает собой историю русской живописи и русского портрета. Оно вместе с тем утверждает одно из высших их достижений. Любимец Петра I и ярый противник петровских реформ, портретист ряда европейских монархов и один из первых политических узников Петропавловской крепости, ученик Флорентийской Академии художеств и ссыльный в глуши Тобольска — такими крайностями определялась биография великолепного портретиста.
Иван Никитин писал портреты и с Петра: один из них был сделан в Кронштадте, другой в то время, когда Петр лежал мертвый в гробу. Над изображением Петра работали и скульпторы. Особенно интересна маска, снятая с лица Петра, работы скульптора Растрелли. Она передает в точности все черты царя: глаза немного навыкате, большой лоб, жесткие, короткие усы. Лицо кажется живым.
Вот как снимал Растрелли эту маску: Петр сидел в глубоком кресле, закрыв глаза и рот, и дышал через тонкие соломинки. Скульптор смазал жиром лицо, потом наложил мягкий гипс и снял его после того, как гипс застыл. Затем Растрелли подправлял готовую маску. Она пригодилась, когда отливали парадный бронзовый бюст Петра и памятник у Инженерного замка.
По сюжету Ветхового завета. Когда Моисей вывел иудеев из египетского плена, путь их лежал через пустыню, по которой они скитались 40 лет. После долгих лишений люди взроптали, и Господь ниспослал на них кару – ядовитых змей, сеявших мучительную смерть. Они раскаялись и взмолились о прощении, тогда Моисей, по велению Бога, сотворил медное изваяние змия, и каждый, взглянувший на него с верою, исцелялся.). Слайд 14. Ф.Бруни «Медный змий».
Илья Ефимович Репин. Кто не знает этого имени? За свою долгую жизнь Репин написал много исторических картин и портретов, – некоторые находятся в Русском музее. Прежде чем создать свое произведение, художник изучал жизнь тех людей, которых изображал. Репин был еще совсем молодым художником, когда он со своим другом поехал на пароходе по Неве. "Погода была чудесная, – вспоминал Репин, – красивая, нарядная публика веселилась на берегах. И вот вдали показалось какое-то коричневое пятно. Оно все ближе, и вот уже можно было рассмотреть его – это бурлаки, тянувшие бечевой баржу". Слайд 15.
"Вот невероятная картина. Никто не поверит. Какой ужас – люди вместо скота впряжены", – говорил Репин своему другу. Эта сцена запомнилась художнику, и позже он рассказал о бурлаках, их непосильном труде в своей картине "Бурлаки", написанной уже на Волге.
"Погода была чудесная, – вспоминал Репин, – красивая, нарядная публика веселилась на берегах. И вот вдали показалось какое-то коричневое пятно. Оно все ближе, и вот уже можно было рассмотреть его – это бурлаки, тянувшие бечевой баржу".
"Вот невероятная картина. Никто не поверит. Какой ужас – люди вместо скота впряжены", – говорил Репин своему другу. Эта сцена запомнилась художнику, и позже он рассказал о бурлаках, их непосильном труде в своей картине "Бурлаки", написанной уже на Волге.
Эти образы несчастных оборванцев, зарабатывающих на жизнь непосильным трудом, знакомы всем по школьным учебникам. Бурлаки в XVI-XIX вв. были наемными рабочими, которые при помощи бечевы тянули речные суда против течения. Бурлаки объединялись в артели по 10-45 человек, были и женские артели. Несмотря на тяжелый труд, за сезон (весной или осенью) бурлаки могли заработать столько, чтобы потом в течение полугода жить безбедно. Из-за нужды и плохих урожаев в бурлаки иногда шли крестьяне, но в основном такой работой занимались бродяги и бездомные.
И. Шубин утверждает, что в XIX в. труд бурлаков выглядел так: на баржах устанавливали большой барабан с намотанным на него тросом. Люди садились в лодку, забирали с собой конец троса с тремя якорями и плыли вверх по течению. Там они бросали в воду якоря поочередно. Бурлаки на барже тянули трос от носа к корме, наматывая его на барабан. Таким образом они «подтягивали» баржу вверх по течению: они шли назад, а палуба у них под ногами двигалась вперед. Намотав трос, они вновь шли на нос судна и проделывали то же самое. По берегу тянуть приходилось лишь тогда, когда судно садилось на мель. То есть изображенный Репиным эпизод – единичный случай
Таким же исключением из правил можно назвать и показанный на картине участок дороги. Бечевник – прибрежная полоса, по которой передвигались бурлаки, по приказу императора Павла не застраивался зданиями и заборами, но кустов, камней и топких мест там было предостаточно. Изображенный Репиным пустынный и ровный берег – идеальный участок пути, каких на самом деле было немного.
Репин поселился на лето в Самарской области. Его исследования нельзя назвать серьезными, в чем он сам признавался: «Должен сознаться откровенно, что меня нисколько не занимал вопрос быта и социального строя договоров бурлаков с хозяевами; я расспрашивал их, только чтобы придать некоторый серьез своему делу. Сказать правду, я даже рассеянно слушал какой-нибудь рассказ или подробность об их отношениях к хозяевам и этим мальчикам-кровопийцам».
Любовь к своей стране, к своему народу и его прошлому проявлялась у многих русских художников. В. И. Суриков, великий исторический живописец, показал в своих работах героическое прошлое нашего народа: "Переход Суворова через Альпы", "Покорение Сибири Ермаком". Слайд 16.
Шишкину, Левитану была особенно близка природа, полянки, стога сена, леса, березовые рощицы, голубые дали озер. Айвазовскому – море, Верещагину – русская военная история.
Много художественных сокровищ хранит Государственный Русский музей. Любить, понимать и знать русскую живопись нужно приучаться с детства. Всегда в Русский музей приходило немало школьников. Они собирались в "школьной комнате" и оттуда расходились по всем залам музея.
А через несколько лет они возвращались в знакомые им залы музея уже инженерами, военными, врачами, артистами, людьми самых разных профессий, но с единым интересом к искусству.
В.Серов «Портрет Иды Рубинштейн». Слайд 17. Собственно, о сюжете говорить в данном случае довольно сложно. На картине изображена известная балерина Ида Рубинштейн. Обстановка небрежная, как если бы Ида только что проснулась, а Серов решил сделать фото для инстаграма.
Зеленая шаль, опутывающая ноги, похожа на змею. От ее укуса по сюжету популярного в те время балета погибла Клеопатра — одна из ролей, которые сделали Рубинштейн звездой. В портрет оказывается вписана тема смерти, поэтому взгляд Иды кажется прощальным. Ида Рубинштейн была скандальной звездой. На сцене она появлялась почти обнаженной, лишь едва прикрытая прозрачным покрывалом. «…царица Египта… постепенно лишалась всех своих покровов и затем предавалась любовному экстазу у всех на глазах, причем лишь в самый критический момент являлись услужливые придворные дамы, окружавшие занавесками ложе любовников», — вспоминал Бенуа, как Рубинштейн исполняла роль Клеопатры. И вот тут парадокс: на балете изящно раздетой Иде рукоплескали, а в галерее, глядя на ту же Иду те же люди недоумевали. Да, публика повидала немало обнаженных и мужчин, и женщин на полотнах и на сцене. Но то все мифологические персонажи, а тут Ида Рубинштейн — живая женщина, которую все знали. Это уже не «прекрасная нагота», а раздетость. «Декадентщина» и «уродство» — так отзывались о картине современники. Сам же Серов, которого Рубинштейн чрезвычайно вдохновляла, портретом городился.
У Иды Рубинштейн не было ни балетного, ни специального театрального образования. Но она выглядела так, как в начале XX века было выглядеть модно: длинная, тоненькая, с восточными чертами. В глазах Серова она была Венерой XX века.
М.А. Врубель. Гамлет и Офелия. 1884 Слайд 18.
Еще в 1883 году, следуя совету Репина взяться за «солидную» картину, Врубель выбирает сюжет шекспировской пьесы «Гамлет и Офелия». В основе замысла – сцена размышления, окрашенная трагизмом, психологический контраст характеров и темпераментов персонажей, различие в природе и глубине переживаний. Однако пройдет немало времени, прежде чем Врубель найдет поистине шекспировскую трактовку образов и напишет злобно-мстительного, похожего на демона Гамлета и хрупкую жертву – Офелию.
В картине 1884 года художник представляет датского принца сидящим в кресле на фоне скромного интерьера. На строгом с крупными чертами лице Гамлета выражение сосредоточенной отрешенности. Взгляд серых глаз скользит куда-то в сторону, мимо нас, словно принц хочет отгородиться от окружающего мира, заглянуть в свою истерзанную сомнениями душу.
Рядом, касаясь его плеча, приютилась печальная Офелия. Опустив руку на спинку кресла, девушка склонилась над любимым, словно пытаясь уберечь, защитить его от тяжких дум. Но в этом нежном склонении с полузакрытыми веками опущенных долу глаз Офелия кажется поникшей, беспомощной, обреченной.
Лаконичная композиция концентрирует внимание зрителей на персонажах картины. Динамичная, эскизная манера письма, благородный, но сумеречный колорит с преобладанием черного цвета точно передает трагическую атмосферу изображенного.
Врубель не иллюстрирует пьесу Шекспира. Его интересует личность датского принца как обобщенный тип человека – одинокого, гордого, с вечным душевным разладом, в своем стремлении к идеалу конфликтующего с обществом.
В период работы над картиной Врубелю активно помогали Валентин Серов и его двоюродная сестра. Увлеченные замыслом художника, они не только позировали, но, можно сказать, сыграли роли его героев. Суровый, мрачный, артистичный Серов хорошо подходил для роли Гамлета. А юная, обаятельная Маша Симонович – Офелии.
«Гамлет и Офелия» – первое живописное полотно Врубеля, созданное им в годы студенчества в петербургской Академии художеств, – осталось незавершенным.
В 1901 году знаменитый живописец Илья Репин принял крупный государственный заказ на написание картины «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года». Данная работа была приурочена к столетнему юбилею основания Государственного Совета. После двухлетней работы огромное полотно размером 400×877 см было готово. Слайд 19.
В период работы над этой картиной автор впервые применил фотографическую плёнку, которая смогла воспроизвести огромную картину в одной изобразительной плоскости.
Для написания картины Репину потребовалось провести сложную кропотливую работу. Для создания столь большой композиции был написан 81 этюд на каждого участника действа. И только изобразив каждого члена Совета в отдельности Репин смог приступить к написанию картины в целом. Следует отметить, что не вся работа была проведена одним только Репиным. Некоторые зарисовки принадлежат кисти лучших учеников Репина: Б. М. Кустодиеву и И.С.Куликову.
Данная работа является не только произведением искусства, но и служит историческим документом, отражающим полноценный состав Совета на период 1901 года, а также то, в каком порядки проводились эти заседания.
Репину очень хорошо удалось передать торжественную и важную атмосферу процесса, где представлители царской семьи и представители дворянства во главе с Александром I решали судьбу огромной Российской Империи.
Собрание Совета проводилось в Круглом зале Мариинского дворца. Несмотря на масштабность работы, автор хорошо прорисовал не только фигуры и лица членов совета, но и элементы декора зала. Древнегреческие колонны и портреты предыдущих императоров нарисованы достаточно хорошо. Очевидно, Репин хотел привлечь особое внимание зрителей к торжественному убранству царских залов.
Цветовая гамма картины представлена в традиционных оттенках дворянства: красный, золотой, чёрный и синий.
Сегодня картина «Заседание Государственного совета» расположена в выставочном зале Государственного Русского музея.
Картина «Купчиха за чаем» заключает в себе все своеобразие творческого метода художника Бориса Михайловича Кустодиева. Сам образ купчихи – дородной красивой русской женщины с круглым лицом и здоровой улыбкой, по мнению искусствоведов, является излюбленным у художника. Слайд 20.
В рассматриваемой нами картине купчика изображена пьющей за большим столом из блюдца чай. На столе стоят самовар и блюда с разнообразными яствами (особенно четко художник выписывает образы фруктов, винограда, арбуза, яблок). На столе также много красивой и дорогой посуды и традиционной русской еды: пирожков, белого хлеба, варенья. На заднем фоне видны сцены из жизни старой купеческой Москвы: белокаменная церковь, торговые ряды, роща и монастырские постройки.
Сама купчиха – молода и красива, у нее приятное полное лицо, платок, закрывающий волосы, повязанный концами вперед, большие золотые серьги, обведенные красной помадой губы. Художник аккуратно выписывает ее белую шею и плечи, а также приятное темно-синее платье с маленькой брошью в виде украшения.
Есть в этой картине и определенная ирония, художник как бы позволяет зрителю беззлобно улыбнуться, увидев полную и добрую купчиху и ее застолье. Однако ирония здесь мягкая, не вызывающая никаких отрицательных чувств.
Казалось бы, в этой обычной бытовой зарисовке нет ничего загадочного, однако это не так. Образ купчихи является глубоко символичным, ведь художник написал эту картину в переломный для истории нашей страны 1918 год, когда некоторым казалось, что Россия погибла и никогда больше не возродится.
А русская купчиха с налаженным бытом, обилием продуктов, большим котом, изогнувшим спину в ожидании ласки, простой размеренной жизнью представлялась автору образом будущего страны, которая, пережив все треволнения, вернется к традиционному порядку бытия. Эти серии и близкие им полотна (портрет Ф. И. Шаляпина, 1922, Русский музей) подобны красочным снам о старой России. Слайд 21.
Благодарим вас за внимание! Надеемся, что рассказ лишь о малой толике сокровищ Русского музея был интересным и полезным, до новых встреч!
