Глава III. Альбомы и

«The Black Parade” – “почти рок-опера» [50].

 

“I’d end my days with you in a hail of bullets” [51]

Demolition Lovers, MCR

Для верного восприятия любой из композиций группы, будь то раннее творчество коллектива, или что-то с более поздних альбомов, принесших группе мировую известность и признание, важно будет сразу отметить следующее: практически в каждой композиции, написанной My Chemical Romance, будет присутствовать специально выдуманный персонаж, лирический герой. Практически любая песня в репертуаре этого коллектива будет неотделима от концепции, в плоскости которой будет раскрываться действие в той или иной песне. В своей работе, посвященной концептуальному рок-альбому один из современных американских исследователей описывал концептуальную музыку как строющуюся, с одной стороны, на серьезных и сложных композиторских решениях, а с другой – несущую явную социальную функцию.

Он так же отмечал, что концептуальный альбом становится примером высшего мастерства в области популярной музыки или же, другими словами, своеобразным отклонением поп-музыки в область «серьезной» музыки и претензией на восприятие такого альбома как образца более высокого искусства[52]. Концептуальность альбомов My Chemical Romance - их ключевое отличие от современников и залог уникальности их творчества.

«Я знал, что я хотел рассказывать истории. Я знал, что я не хотел петь о подружках, расставаниях так, как это обычно делается в панк-роке», рассказывал Уэй старший в интервью с Питером Мерфи для американского МТВ[53].

Первый альбом группы был создан в кратчайшие сроки, прежде всего потому, что группа собиралась сразу же ехать в тур. Пожалуй, будучи их первенцем, альбом “I brought you my bullets, you brought me your love”[54] (далее в тексте – Bullets; прим. автора) станет единственным альбомом, не имеющим настолько ярко выраженной, четкой и полной концепции для всех песен альбома, но, скорее, каждая композиция будет иметь свою собственную концепцию и раскрывать новые образы. По словам музыкантов, эта пластинка была сознана, чтобы запечатлеть генезис My Chemical Romance, ведь группа только что появилась на свет.

Интересен был процесс того, как все кусочки пазла постепенно складывались во что-то целое, что впоследствии оформится в музыкальный коллектив с очень ярким звучанием. Помимо того, что эстетика в их творчестве по большей части исходит от Джерарда, который, как нам уже известно, отдает предпочтение темным, сложным, зачастую безобразным образам, следует обратить внимание на то, что происходило на инструментальном уровне. В определенный момент стало ясно, насколько своеобразным будет звучание группы, поскольку, к примеру, стили игры двух гитаристов (Ф.Айеро и Р.Торо) являлись такими, что «не должны взаимодействовать друг с другом, но взаимодействуют»[55], - говорил в интервью Фрэнк Айеро.

My Chemical Romance настолько скоро начали работу над Bullets, что, по своей сути, этот являлся качественно записанным демо-сборником, ведь эту стадию группа словно перепрыгнула (за исключением пары самых первых домашних записей, которые Джерард показывал будущим музыкантам My Chemical Romance, чтобы убедить их присоединиться). В концептуальном плане тут наблюдается ожидаемая и простительная для первого альбома разрозненность, но, тем не менее, на уровне лирики песни уже содержат характерные для этого коллектива послания и образы.

Рассмотрим некоторые из песен:

Первый сингл, на который позже был создан и клип – “Honey, this mirror isn’t big enough for the two of us”[56], держался почти целиком на цепляющих сменах размера внутри структуры песни и надрывном вокале Джерарда. Текст рисует портрет абстрактной бывшей девушки-манипулятора, страдающей зависимостью от кокаина. С актерской точки зрения Джерард выполняет свою функцию, как вокалист, и с успехом передает образ человека, испытывающего ломку, жажду контроля и ссор. Вдохновением для клипа на эту песню стал контроверсивный короткометражный фильм японского режиссера Такеши Миике. В клипе, как и в фильме, запечатлена яростная женщина, пытающая своего парализованного возлюбленного.

Далее – «Vampires will never hurt you”[57]. Несмотря на глубокое увлечение Джерарда фильмами ужасов, он подтверждает, что эти «вампиры» - ненастоящие: «мы используем вампиров как метафору к чему-то еще, чему-то большему, чем сверхъестественное явление. В повседневной жизни, на самом деле, так много людей, который пытаются тебя контролировать и, в каком-то смысле, украсть твою душу, забрать частицу тебя»[58].

В композиции “Drowning Lessons”[59], которая описывает помешанных друг на друге любовников, заключенных в круговороте своих желаний и смертельных опасностей, содержит в своем тексте эпизод о «горе из тысячи мертвых тел» - это одна из концептуальных предпосылок к сюжету следующего альбома, там эта идея трансформируется в «трупы тысячи злодеев» и становится частью концепции, о которой подробно будет рассказано ниже.

Упомянутая еще в начале реферата “Skylines and turnstiles”[60], песня, с которой начался творческий путь коллектива, была прямым отзывом на теракт 11 сентября, свидетелем которого стал Джерард Уэй. В песне также используются смены размеров, и, несмотря на несколько неловкую аранжировку и тот факт, что не все слова прослушиваются на записи, музыканты передают эмоциональный посыл достаточно хорошо. В вокальной партии здесь чувствуется срочность, поспешность, метание, беспомощность. Объяснимые ощущения для того, кто наблюдал катастрофу и осознавал, что не в силах оказать весомую помощь.

“Early Sunsets Over Monroeville”[61] – песня-эксперимент, идея полностью базируется на сюжете фильма «Рассвет мертвецов» 1978 года. Большая часть фильма снималась в Monroeville Mall в Пенсильвании, что послужило вдохновением для названия и сюжета песни. Аккомпанемент здесь звучит практически пасторально. Никакого надрыва, медленный, расслабленный темп. Поскольку вышеупомянутый фильм - о зомби, то в вокале Джерарда теряется привычная экспрессия и нервозность. Он звучит даже как-то отрешенно.

В песне “Our lady of Sorrows”[62] впервые проявляется (а в будущем – закрепится) в творчестве группы концепция мести, борьбы за свои идеалы и за настоящую дружбу.

Музыканты отмечали большие отличия в стилистике каждой последующей песни от предыдущей на дебютном альбоме группы. Конечно, их звучание имело свои отличительные черты: большинство композиций в очень быстром темпе, кричащий вокал, иногда даже в ущерб удержанию тональности. Но при этом, в зависимости от смысловой нагрузки, могли применяться различные приемы в аранжировках, что обеспечивало довольно яркий контраст и стилистическую новизну каждой последующей композиции. Это важно отметить, так как и на последующих альбомах группы эта тенденция сохранится. Так же, музыканты начнут прибегать к очень грамотной стилизации, для наиболее яркой передачи того или иного образа в песнях. Для них не характерны какие-либо явные фирменные гармонические обороты и вообще однообразие.

Возвращаясь к концептуальной нагрузке дебютного альбома, наиболее пристальное внимание стоит обратить на последнюю композицию на диске – «Demolition Lovers”[63]. Эта песня существует довольно независимо в контексте данного альбома, но именно она стала точкой транзита ко второму релизу группы: “Three Cheers For Sweet Revenge” (далее в тексте – Revenge; прим. автора)[64]. Сюжет этой песни – завязка концепции, на стержень которой будут нанизываться композиции второго альбома.

В видео-дневнике на DVD Life On The Murder Scene Джерард говорил: «Revenge – это и есть наша группа. Bullets – это группа в поисках себя»[65].

“Demolition Lovers” – песня, из которой впоследствии вырастет концепция альбома Revenge. Сюжет песни вращается, опять же, вокруг верных друг другу влюбленных, которые попадают в неблагоприятные обстоятельства и стоят на пороге смерти. Их любовь так сильна, что они готовы умереть самой безобразной смертью, но главное, вместе. В лирике, Джерард в основном рисует образы роковой любви на фоне госпиталей и городских развалин. Так же, характерная медицинская тематика вскоре стала все чаще проявляться в текстах песен группы. Уэй старший объяснял это тем, что он сам лично «постоянно попадал в госпитали или травм -пункты и скорую помощь с Бог знает чем. В результате госпиталь стал хорошей метафорой для различных вещей. Это, на первый взгляд, безопасное место, но, все же, пугающее»[66].

К началу работы над вторым альбомом, группа уже имела право называть себя состоявшимися опытными концертирующими музыкантами, проработав в туре в течение почти двух лет. К 2004 году после долгого процесса взвешивания всех «за» и «против», My Chemical Romance наконец подписали контракт с крупным лейблом – Reprise Records. Профессиональные возможности, идущие рука об руку с подписанием контракта такого уровня, конечно, были ошеломляющими для группы из маленького городка в Нью Джерси. Группа долго не решалась ответить согласием на предложения крупных звукозаписывающих компаний о сотрудничестве, а их было очень много.

Причиной тому был страх оказаться под влиянием и растерять только начинавшую проявляться оригинальность в их творчестве. Тем не менее, долгие раздумья оправдались. Reprise Records дали My Chemical Romance то, что им требовалось для выполнения своей возвышенной миссии – спасения человеческих жизней. Они дали им средства для того, чтобы их послания и идеи были наконец доступны большому количеству людей по всему миру. В противном случае, существование группы было бы бесцельным и не приносящим пользу.

Reprise Records предоставили группе возможность работать с продюсером Ховардом Бенсоном[67], который помог вытащить на поверхность возможный на тот момент максимум творческого потенциала каждого из участников группы.

Как отмечено выше, задумка для концепции альбома уже существовала, первые шаги были сделаны в процессе работы над первым студийным альбомом. Идея была в том, чтобы раскрыть концепцию Demolition Lovers. Имея сильную способность к визуализации и художественный талант, Джерард еще до создания альбома начал оформлять основные образы персонажей на бумаге (см. приложение 4, рис 1). Грубо описывая, концепция истории выглядела приблизительно так: двое влюбленных погибают в перестрелке. Точнее, погибает только женщина, мужчина же, в конечном итоге, оказывается жив. Осознав ужас своего положения, он заключает сделку с Дьяволом, который обещает вернуть ему любимую, если тот принесет ему трупы тысячи злодеев на обмен.

Под эту концепцию в конечном итоге выстраивается вся последовательность песен на альбоме. В интервью для Cincinnati City Beat Джерард поясняет: «Это не то чтобы одна прямая линия. Это больше похоже на маленькие фрагменты истории, которые, в конечном итоге, должны сложиться в одно целое”[68].

Прежде чем погрузиться в работу над вторым студийным альбомом, братьям Уэй пришлось пережить большое потрясение – смерть их бабушки, Элены Ли Раш[69]. Джерард считал ее своим «ментором» в творческом плане. Для человека, с детства испытывающего страх потери близких, ее смерть стала тяжелым испытанием. Он вспоминает, что ее смерть породила чувство злости на себя самого, потому что группа вернулась из длительного отъезда за день до ее смерти. В день ее похорон атмосфера церкви не смогла подействовать утешающе, а, скорее наоборот[70]. Все эти чувства породили нужду в сублимации своих ощущений в творчество.

Первая композиция на альбоме “Three Cheers For Sweet Revenge” практически напрямую связана со смертью Элены Ли Раш, и будет называться “Helena”. В контексте концепции альбома, описанной выше, образ умершей женщины – это первый фрагмент общего сюжета. В лирике, безусловно, выражены совершенно конкретные чувства авторов музыки и текста, но тем не менее, песня находит свое место в задумке и становится ее первым закоченным эпизодом. Над клипом на эту песню работал популярный среди музыкантов соратников My Chemical Romance клипмейкер – Марк Уэбб.

Действие клипа происходит в католической церкви, инсценируются похороны молодой красивой женщины по имени Элена. Интересным решением было включить в клип большое количество хореографии: это нестандартный ход для группы с таким звучанием, как у My Chemical Romance, ведь они формировались под влиянием панк-музыки в том числе, что означает быструю, нетанцевальную, агрессивную музыку. Тем не менее, ритмика определенных частей песни все-таки позволила создать ряд танцевальных номеров в стиле джаз-модерн. Так же, на музыку бриджа был поставлен сольный танец персонажа Элены на пуантах. В этой песне бридж тихий, служит для передышки и накопления энергии перед кульминацией, для того, чтобы в следующий момент разорваться последним припевом. В клипе Элена встает из гроба, чтобы станцевать свой последний танец и попрощаться со скорбящими.

Это видео было не первым для My Chemical Romance, но в большинстве случаев, оно было первым, которое доводилось увидеть новоиспеченным фанатам, так как его пустили в частую ротацию на музыкальных каналах по всему миру. «Мы знаем, что видео на песню «Helena» - наш шанс заработать репутацию «видео» группы»[71], говорил Джерард, имея ввиду что с этого момента видеоклипы будут равноправным инструментом в изложении созданных группой историй. Это видео в последствии было номинировано на MTV Video Music Awards[72], благодаря тому, что все в нем было тщательно сбалансировано: оно было оригинальным, ярким, не слишком сентиментальным, но при этом ровно настолько трогательным, насколько это было необходимо. 

С видео “Helena” начался своеобразный культ группы. 9 апреля 2005 года в Лондоне, перед концертов в зале Астория, на улицах города была реконструирована похоронная процессия из вышеупомянотого видео. Своеобразный флеш-моб[73] послужил удачной промо-акцией, и собрал вместе уже имеющихся на тот момент поклонников группы.

На окончательное звучание альбома повлияла не только сама концепция. Альбома записывался в Лос-Анджелесе, и, по словам музыкантов, весь его блеск и мишура оставили свой след.

Особенно это ощущается в композиции “You know what they do to guys like us in prison’’[74]. Текст композиции начинается повествовательно: «посреди перестрелки, в центре зала ресторана, они говорят – стой спокойно, подними руки кверху…». Это еще один фрагмент истории, но плюс ко всему, здесь находят отражения опять же вполне конкретные чувства автора. Название песни говорит само за себя: ты знаешь, что делают с такими мальчиками как мы в тюрьме. Вокал Джерарда становится манерным, он играет, смеется мультяшным смехом.

Такие треки как “Give ‘em hell, kid”[75] и “Hang ‘em high”[76] становятся концентрацей эмоций, крутящихся вокруг мыслей о мести. Даже их названия будут похожи. Эти две композиции – попытка продюсера и советчика группы, Ховарда Бенсона, очистить песни от лишнего и оставить только голые эмоции. В одном из своих интервью Ховард рассказывает: «Я считаю, что то, что Джерард делает, его видение, в сочетании с тем, что делают гитары – это что-то особенное. Но я всегда говорил им, что важно только то, что вы чувствуете, то, что вы пытаетесь сказать, а не «о, посмотри на все эти гитарные партии!». Кого это интересует? Никого это не интересует!»[77].

Так же свою лепту вносит в концепцию альбома вставка-молитва “Interlude”[78]. Медленная короткая композиция-передышка. Под неровно звучащую акустическую гитару вокалист напевает: «святые, защитите ее, придите Ангелы божьи, придите Ангелы неизвестного». Интермедия резко обрывается и на слушателя обрушивается гитарное риффовое вступление к “Thank You For The Venom”[79], композиции, звучащей максимально провокационно и даже истерично. Лирический герой требует «отдать всю свою отраву, весь свой яд». Это яростное нападение на недоброжелателей, в контексте известной нам концепции. Но текст этой песни, даже будучи вырванным из повествования, не теряет своего смысла, а следовательно, легко находит отклик у аудитории: у каждого есть что-то, против чего хочется так же смело бороться, как это делает лирический герой в этой композиции.

Объединенные на этот раз более полной концепцией песни на альбоме Three Cheers For Sweet Revenge, они опять же будут иметь свои особенности. К примеру, гитарное стаккато во вступлении к вышеупомянутой “You know what they do to guys like us in prison” моментально создает атмосферу 20-х – 30-х годов ХХ века. Как только начинается речь о перестрелке в ресторане и вступают ударные, ритм становится танцевальным, с подхлестом, перед глазами начинает появляться образ представителей контингента гангстерского Чикаго или чего-то подобного. 

В своем интервью для вебсайта Trouble Bunch Music музыканты рассказывали, что они не могут «писать песни, которые звучат похоже друг на друга. Нам нравится запечатлевать настроения, и вы это точно почувствуете. Можно сказать, что эта песня такая же по настроению или ощущению. Мы можем применять различные темы и настроения, но придерживаться определенного стиля раз от раза мы не в состоянии»[80]. «Когда мы сочиняем, мы не говорим «давай сделаем настоящую панк-рок песню, мы говорим «давай сделаем ковбойскую песню или кабаре, чтобы, когда звучит вступление, она воспринималась как что-то из классических кабаре шоу»[81].

В действительности, эта группа мыслила отличным от многих образом. В своем творчестве они подходили индивидуально к каждой партии, к каждой концепции, к каждому тексту. Можно одеть на себя костюм кого угодно и выйти на сцену, в попытке рассказать историю, обыграть какой-либо сюжет, но это врядли будет иметь эффект, если образ/сюжет не был проработан изнутри. Такое воздействие, какое оказывает комплекс выразительных средств, и музыкальных и визуальных, будет во много раз сильнее. My Chemical Romance с каждым релизом углублялись все дальше в свои идеи и прорабатывали их все более и более подробно. С каждым альбомом набор персонажей становился многочисленнее и отчетливее, что будет наглядно видно после разбора последующих двух альбомов группы.

Х        Х

Х

“Have you heard the news that you’re dead?” [82]

Dead!, MCR

Альбом «The Black Parade” можно по праву считать пиком музыкальной деятельности My Chemical Romance. Конечно же, его выпуск сопровождался подъемом популярности группы. В период их мирового турне в поддержку пластинки их известность достигла апогея, «Черный Парад» превратился в культ. Но особый вес здесь имеет не популярность, которую принес группе их третий студийный альбом, а то, что этим альбомом группа наконец раскрыла весь свой творческий потенциал и доказала свою уникальность на фоне команд-современников. Сравнения творчества My Chemical Romance с музыкой какиих-либо других команд, чья эстетика была, на первый взгляд, схожа с их эстетикой, стали окончательно неуместны.

В своем дневнике Джерард Уэй описывает процесс работы над третьим альбомом:

Создание альбома – это как хирургическая операция без анастезии. Сначала вам нужно разрезать себя пополам. Потом нужно вырезать каждый из органов и выложить их на столе.

Затем, вам нужно изучить все части, и тут реальность вас накрывает. Вы поймаете себя на мысли: «я и не знал, что эта часть меня настолько уродлива». Или «а вот на счет этой мне нужно мнение профессионала».

Вы уходите в постель пустым, и возвращаетесь в операционную на следующий день... Вы предстаете перед каждым своим страхом, каждой отвратительной чертой себя, которая вам ненавистна. Вы засовываете все внутрь снова и зашиваете наглухо, и, затем – вы выдаете. Исполняете так, как будто от этого зависит ваша жизнь – и в эти потрясающие моменты вы обнаруживаете красоту, о существовании которой и не подозревали.

Вы находите себя, своих друзей – заново. Обнаруживаете что-то, за что стоит бороться, что стоит любить. Что-то, что можно показать миру [83].

По словам музыкантов, на то, чтобы сделать свой первый альбом, у вас, условно говоря, есть вся жизнь.  Как только вы осознали свою сущность, вы развиваете то, начало чему было положено в первом альбоме и создаете вторую пластинку на этом прочном фундаменте. Для того, чтобы создать третий альбом, «вам нужно полностью изобрести себя заново»[84].

Новый альбом отличался от предыдущих масштабностью своей задумки. Изначальное отличие состояло в том, что концепция альбома в этот раз не была заранее предопределена, но формировалась в процессе написания песен. При этом, конечный результат сложился в очень цельную для восприятия, эпическую, драматическую картину.

Изначально концепция альбома задумывалась, как история об Аде. Одним из первых рабочих названий альбома было, в переводе с английского языка «Падение проклятых», позаимствованное у Рубенса и его одноименного полотна. Джерард даже начал разрабатывать идею с помощью рисунков, но что-то казалось неверным. Музыканты мало знали об Аде для того, чтобы придумать сильную концепцию для будущего альбома, поэтому решено было заняться исследованием этой темы. В одном из источников Джерард столкнулся с понятием «мистерия»[85]. Возникла идея создать рок-версию религиозной мистерии, полностью разработанное действо, с персонжами, костюмами и Барочной эстетикой. И, все так же, это было не совсем то, что запустило бы творческий процесс, что расставило бы все на свои места.

Осознавая то, что в силу обретенного жизненного опыта и персонального роста участников коллектива, концепция альбома будет нуждаться в чем-то большем, чем очередной интерпретации понятия смерти, музыканты старались найти решение, которое будет отражать эти перемены.  В альбоме должны были сочетаться и социальная направленность, понятие прощения, здоровая доза черного юмора, иронии, и, в то же время, самовыражение без границ. Для альбома группе нужен был центральный герой.

Этим героем становится The Patient – Пациэнт (пер. с англ. яз.). И снова мы наблюдаем столкновение с медецинской тематикой. На вопрос о том, почему же именно Пациэнт, Уэй старший отвечает: «Я начал представлять себе Пациента, как человека в возрасте около 30 лет. Что бы я чувствовал, если бы я ничего из себя не представлял и вдруг, смертельно бы заболел? Что если назавтра все что я имею у меня отнимут? Я думаю, что многое стало для меня понятно, потому что на сегодняшний день я на самом деле достиг чего-то, и, если бы мне суждено было скоро умереть, я бы умер счастливым человеком. Я постарался как-бы посмотреть на эту ситуацию наоборот»[86].

Базовая концепция выстраивается вокруг него следующим образом: история начинается в госпитале. Пациэнт болен раком и находится на пороге смерти. Когда смерть пробирается в его подсознание она приходит в форме самого яркого для Пациента воспоминания. Но что же дальше?

The Paramour Mansion – особняк, в котором жили музыканты в процессе работы над альбомом, внес свою лепту в создание концепции The Black Parade. Здание было построено в начале XX века и сейчас является привлекательным для туристов местом в Лос-Анджелесе, так как имеет репутацию населенного приведениями дома. Группа сознательно выбрала это место для того, чтобы изолировать себя и полностью сконцентрироваться на написании композиций для нового релиза. Но, не вдаваясь в подробности, нужно отметить, что тяжелая атмосфера в особняке не сразу начала помогать членам группы творить, а даже усугубила состояние психического равновесия вплоть до того, что Майки Уэй был на некоторое время вынужденно отстранен от работы по медицинским показаниям. Джерард Уэй стал страдать бессонницей, его мучили кошмары, которые, конечно, имели для него своеобразную ценность: из них он собирал образы, записывал приходящие на ум фразы-ассоциации. Одной из таких фраз стала: «Все мы просто Черный Парад».

В этот момент все стало проясняться. Джерард вспоминает: «Расплывчатая идея, я знаю. Но это было что-то новое для меня. За этой идеей сразу потянулось столько образов: святые, грешники, День Мертвых, надувные шары, тромбоны, смерть, парад в День Мэйси. Это было именно то, что нам нужно»[87].

Так, воспоминание о том, как отец водил его маленьким мальчиком на праздничный уличный парад становится для Пациэнтом формой, которую принимает его смерть. Кстати, этот аспект был позаимствован из личного опыта братьев Уэй. «Я очень хорошо помню, как отец водил нас с Майки на парад. Там были все эти надувные шары, даже в форме моих любымых персонажей мультфильмов. Я бы не сказал, что это самое счастливое из моих воспоминаний, но парад – это что-то особенное на уровне культуры, поэтому он стал отличной метафорой. Это может быть и похоронная процессия, и празднование Дня Мертвых[88] или просто праздник. Для героя альбома – это то, как он хочет видеть свою смерть»[89].

Тут же начинают появляться другие «участники» (см. Рис 2 а) парада: The Soldiers (Солдаты), The Escape Artist (Художник Отшельник), Mother War (Мама Война), близнецы Fear and Regret (Страх и Сожаление). Со всеми этими персонажами Пациэнт встречается на своем пути либо к вечному страданию, либо к вечному покою.

Понятие Черного Парада становится альтер-эго группы. На данный момент их развития оно включало в себя все аспекты идеологии группы. Их отношение к смерти, самоиронию, дух борьбы, дух товарищества. Так же, эта концепция дала группе возможность приблизиться к своим поклонникам, так как теперь они могли сделать их частью этого «парада». Она так же навела идейного вдохновителя группы на идею создания униформы для участников парада (см. Приложение 4, рис. 2 b).

Как было отмечено выше, работа над песнями шла параллельно с развитием концепции альбома. Первой композицией, которая задала верный вектор процессу поиска нужной концепции, сюжета для альбома, стала песня под названием “Mama”. Название этого трека не нуждается в переводе, но содержание и роль, которую «Мама» играет в создании альбома, определенно, требует разъяснения. Композиция появилась на свет внезапно, первая строка песни “mama, we all go to hell”[90] пришла к ее автору вместе с мотивом, позже Рэй Торо смог поддержать задумку гитарной мелодией.

Музыканты отзываются о подобных моментах в сочинительстве как о минутах, когда «случается волшебство». По их словам, «Мама» звучала совсем по-новому, и даже больше «кабаре», чем «You know what they do to guys like us in prison”, входившей в треклист предыдущего альбома[91]. Эта песня определила последующую стилизацию альбома под определенный исторический период в плане внешней эстетики и аранжировок. Одним из персонажей этой песни становится упомянутая выше Мать Война, партию которой исполняет никто иной как Лайза Минелли. В тексте песни погибающий человек сокрушается о том, что он «мог быть лучшим сыном» и просит свою мать «не поминать лихом, когда его не станет». Песня начинается как стилизация под кабаре, к концу композиции размер сменяется с 4/4 на ¾, и звучит самый настоящий вальс военных времен. Вокал Лайзы сменяется на тихий плач в коде. Плач скорбящей матери.

Нащупав концепцию, в центре которой стоял Пациэнт, музыканты создали два трека, которые теперь служат вступлением к альбому. Первая композиция на пластинке носит название “The End” – “Конец”. Сигналы кардиомонитора – первые звуки, которые вы услышите на альбоме The Black Parade. Все ясно и четко: пластинка начинается с «конца», со смерти Пациэнта. Все что происходит дальше находится по другую сторону реальности. В тексте рассказчик прилашает слушателя присоединиться к балу в честь трагического события – смерти главного героя. «После этого трека у группы просто нет пути назад», - комментирует Джерард Уэй. «Он открывает двери в огромный мир, и в то же время зажимает слушателя в углу маленькой комнаты и говорит: «теперь ты останешься здесь»»[92].

Короткая «The End” резко переходит в почти танцевальную “Dead!”[93], в которой констатируется факт того, что Пациэнту пришел конец. Ему как бы объявляются шокирующие новости. Здесь находит место черный юмор, настолько близкий My Chemical Romance. Появляется дух праздника, которым должен являться парад.

Композиция “This Is How I Disappear” – «Вот так я исчезаю», встает следующей по сюжету. В ней Пациент оглядывается на свою жизнь, на свои личные отношения. В тексте появляются и другие персонажи – Страх и Сожаление, их Джерард Уэй изображает близнецами, так как одно часто сопровождает другое. В случае нашего героя – это так и есть. Так же появляется образ женщины, которая приходит навещать его в больнице. Он боится смерти (Страх), и сожалеет о том, что он умрет никем, и о том, что он не может быть с любимой (Сожаление).

«Welcome to the Black Parade” – “Добро пожаловать на Черный Парад» вводит Пациента в мир жизни после смерти. Песня начинается с воспоминания: «когда я был маленьким мальчиком, мой отец повел меня в город, посмотреть на марширующий оркестр. Он сказал: «сынок, когда ты вырастешь, будешь ли ты защитником сломленных и проклятых?»[94]. Пациент умирает молодым, мало чего достигшим человеком. В этом воспоминании смешана и радость и грусть, так как герой врядли сможет выполнить волю отца, ведь у него нет пути назад. К записи так же были привлечены духовые и струнные оркестры под руководством Дэвида Кэмпбелла, чтобы ярче передать атмосферу парада.

«House of Wolves” – песня, написанная в период поисков концепции альбома. По словам музыкантов, это песня о Дъяволе и об Аде. Как было сказано ранее, первоначальная идея состояла в том, чтобы сделать мистерию, посвященную Аду, и это была единственная на тот момент песня, полностью вписывающаяся в ту концепцию. По мере того, как идея Черного Парада обрела форму, эта композиция не потеряла своей актуальности для нового релиза, но напротив, заняла свое законное место, словно так и было нужно. «Эта песня базируется на класичесском рокабилли-звучании. Нам нужно что-то, что давало бы ощущение Ада, и рокабилли заставляет вас почувствовать пламя»[95]. Визуально, по словам Джерарда, он всегда представлял себе Дъявола в образе двух волков и они найдут свою место в иллюстрациях в оформлении альбома.

Еще одна из наиболее ярких композиций на альбоме – «Cancer” – “Рак”. Текст композиции прямолинеен, в нем мало метафор, в отличие от большинства текстов песен альбома The Black Parade. Пациэнт умирает именно от рака, в тексте он прощается с любимыми, но эмоция здесь более светлая, чем в “This Is How I disappear”. Здесь Пациэнт смотрит на свою жизнь в целом, он не настолько задумывается о своих неудачах и несостоявшейся жизни, сколько обращается ко всему хорошему, что происходило с ним, к людям, которые любили его несмотря ни на что. «Самое тяжелое в этом – оставлять тебя»[96], - гласит одна из строк припева.

«Было на самом деле здорово увидеть, как все эти персонажи оживали в песнях, иногда с помощью гитарных партий, звуковых эффектов. Иногда я мог начать петь другим голосом, как другой человек. Иногда женщина или солдат. Я хотел ощутить себя Пациэнтом, хотел обесцветить свои волосы, чтобы они были полностью седыми – в этом я видел отсутствие жизни. Это помогло мне вжиться в персонаж»[97], -говорил Джерард на пороге релиза нового альбома.

Концепция альбома The Black Parade явно требовала выхода за пределы релиза на CD. Благодаря четкой идее и масштабности задумки, группа теперь имела возможность не только рассказать историю созданного ими персонажа, Пациэнта, но и наглядно показать мир, в который попадает герой альбома. Финальным штрихом должны были стать костюмы для группы.

Известный голливудский дизайнер Колиин Атвуд взялась за создание костюмов для «марширующего оркестра» и других персонажей Черного Парада. Дизайн базировался на эскизах Джерарда Уэя и на реальных армейских униформах различных периодов и народов. Когда костюмы были наконец готовы, группа не могла сдержать своего восторга: перевоплощение My Chemical Romance в The Black Parade было осуществлено. В дневнике о работе над альбомом Джерард писал: «Когда ты надевал этот костюм, ты моментально ощущал себя супергероем, кем-то иным, особенным...и нам нужно было совершить дебют. Потому что у каждого злодея и у каждого супергероя должен быть дебют. И тут я подумал о Лондоне»[98].

Вскоре после выпуска видео на первый сингл с альбома, Welcome To The Black Parade, в Лондоне состоялось первое появление альтер-эго My Chemical Romance - The Black Parade. И снова на улицах города собралась толпа одетых в черные робы, маски, военную форму людей. То же действо, что разворачивалось на заре популярности группы, когда у театра Астория была реконструирована похоронная процессия персонажа Элены, только в этот раз еще масштабнее. В начале шоу организаторы объявили собравшимся, что My Chemical Romance не будут выступать на этой сцене по непредвиденным обстоятельствам. Они просят прощения за предоставленные неудобства. В этот вечер их заменят их хорошие друзья… The Black Parade.

Заключение.

Чтобы завершить данный реферат просуммируем некоторые находки, сделанные в процессе исследования нашей темы. Для того, чтобы сделать это наиболее четко, автор реферата считает нужным еще раз взглянуть на поставленные во введении к работе цели и список обозначенных задач.

Для достижения поставленной во Введении цели работы автор:

· С опорой на различные научные источники проанализировал некоторые проявления эстетики смерти и концепции трагедии в мировой культуре (музыке, живописи, кинематографе).

· С опорой на исторические факты и различные научные исследования проанализировал процессы влияния столкновений со смертью и других трагических событий на формирование человека в целом и творческой личности в частности.

· Был изучен исторический период формирования и существования MyChemicalRomance; была проанализирована степень влияния окружающей среды и воспитания на формирование личностей и творческих способностей участников коллектива.

· Были подробно изучены процессы создания концепций студийных альбомов группы, их эстетика, проанализированы наиболее яркие из музыкальных произведений группы.

В первой части данного реферата автор рассматривает феномен эстетики смерти в искусстве. В результате изучения обозначенного вопроса, автору удалось выявить следующие причины для повышенного интереса людей к смерти:

Смерть – пространство, о котором по определению человек не имеет никакой фактической информации. Следовательно, любой индивидуум (творческий или нет), склонен к изобретению своего собственного варианта того, как будет выглядеть мир после смерти, что будет чувствовать умерший человек, какие события будут происходить в загробном мире. При наличии определенных факторов, стимулирующих формирование творческой личности, эстетика смерти может найти отражение в работе того или иного деятеля искусства. Глубина проработки идеи смерти/трагедии будет зависеть от степени «поражения» психики индивидуума эстетикой смерти и сопутствующими событиями. Смерть в искусстве привлекает зрителя, так как наблюдение за трагедией другого имеет, в конечном итоге, катарсическое воздействие, т.е. приносит «очищение души».

В процессе исследования истоков эстетики творчества My Chemical Romance автором были сделаны следующие выводы:

среда обитания человека может играть большую роль в формировании его интересов. В случае, когда прямое или косвенное столкновение со смертью, переживание личных трагедий, накладывается на уже зародившийся интерес к эстетике смерти, творческая личность может начать развивать идею о смерти на большем количестве уровней, чем среднестатистический человек, и будет стараться находить все новые способы сублимации своей навящивой заинтересованности в эстетике смерти.

Столкновение с трагическими событиями также может вылиться в радикальную переоценку жизненных ценностей, что в результате имеет возможность сподвигнуть восприимчивую личность на, на первый взгляд, неоправданные и необдуманные рискованные поступки, обусловленные желанием изменить направление течения своей жизни, добиться вновь обретенных целей в жизни.

Автором также были изучены процессы создания трех основных студийных альбомов группы, которые наиболее полно раскрывают эстетическую направленность деятельности коллектива.

Были выявлены следующие особенности:

v Наличие систем персонажей и конкретных сюжетных линий в музыке группы изначально обуславливает уникальность их творчества.

v Эклектическое начало звучания музыки My Chemical Romance обеспечивало возможности для портретирования заявленых в рамках концепции того или иного альбома персонажей.

v Музыкальные композиции никогда не существуют вне определенной концепции.

v Системы персонажей и сюжетные линии усложнялись по мере профессионального и личного роста участников коллектива.

v Эстетика смерти находит стойкое выражение в творчестве группы прежде всего потому, что осознание факта конечности жизни является ключевым для понимания ценности жизни человека.

v Иузыкально-театральная природа произведений My Chemical Romance дает возможность для своеобразных юмористических вставок, отражения различного взгляда на процесс умирания и жизнь после смерти. Факт смерти в их музыке не всегда негативен.

v Отражение реально пережитых трагедий через персонажей, созданных группой, обуславливает повышенный интерес публики к их музыке: практически каждый человек переживает те или иные личные трагедии. Чувство единения, которое обеспечивает своеобразие концепций альбома (особенно The Black Parade/2006), оказывает слушателю необходимую моральную помощь. Осознание того, что человек не одинок в своих переживаниях имеет терапевтическое воздействие на слушателя.