Фламандский натюрморт

В живописи Фландрии натюрморт играл весомое значение. Величайшим художником, создающим натюрморты, был Франс Снейдерс, ученик Питера Пауля Рубенса. Рубенс почти не изображал натюрмортов, но в его композициях предметы играют более чем значительную роль.

Цветы, фрукты и животные во многих произведениях Рубенса были написаны Снейдерсом во время его обучения. В них предметы и образы людей и пейзажей выступают как равнозначные элементы. В более поздние годы художник написал прекрасные декоративные натюрморты на значительных по размеру полотнах, демонстрируя обилие природных даров.

Фламандские натюрморты часто использовались для украшения дворцового зала. Они отличаются приличным форматом, ярким цветом, большим количеством элементов и сложностью композиции. Эти натюрморты назывались "лавками" (Я. Фейт, Ф. Снейдерс). На них изображались столы, покрытые дичью и хлебом, а рядом с ними — хозяева, предлагающие свои товары.

Традиции караваджизма, известные в Испании примерно с 1592 года, нашли свое выражение в изысканной пластике формы, передаваемой контрастами света и тени. Образы вещей характеризуются строгостью, возвышенной отстраненностью от повседневной жизни (Ф. Сурбаран, Х. Санчес Котан, А. Переда и др.). Испанские художники часто ограничивались небольшим набором предметов, использовали сдержанную палитру красок (Ф. Сурбаран "Натюрморт с апельсинами и лимонами", 1633; А. Переда" Натюрморт с часами", 1652).

Развитие натюрмортного жанра во Франции началось в XVIII веке, позднее, чем в Голландии, Испании, Италии и Фландрии. Французский натюрморт характеризуется элегантностью, декоративностью и легкостью красок.

Развитие как французского, так и Европейского натюрморта имело большой подъем благодаря прекрасному художнику Жану Батисту Симеону Шардену. Его произведения характеризуются демократичностью и подлинной человечностью, притязательностью и естественностью композиции, гармонией цветовых решений.

Великая заслуга Шардена состоит заключается в возможности передачи в произведениях связи, существующей между человеком и окружающим его пространством. Художник изображал простую утварь (чаши, медный бак), овощи, продукты питания, тем самым утверждая красоту повседневной жизни. Шарден также писал аллегорические натюрморты ("Натюрморт с атрибутами искусства", 1766) [5, с. 37-40].

Мастерское владение техникой живописи, умение показать фактурные особенности предметов – вот чем прославились французские живописцы. Но в отличие от произведений голландцев, французам свойственны умозрительность и абстрагирование от реальности.

Ощутимый вклад в развитие немецкого натюрморта внес Георг Флегель (1566-1638). На полотнах художника можно встретить уникальные цветы, красивые сосуды, ягоды и фрукты в вазах, многообразные овощи. Позже сочинения Флегеля стали более сдержанными и гармоничными, с двумя-тремя предметами.

Мастер также разработал иллюзорные приемы, которые впоследствии были использованы художниками XVIII века при создании натюрмортов-обманов. Такие натюрморты публика встречала с большим энтузиазмом [59, с. 23].

В XIX веке жанр натюрморта создавали картины таких мастеров, как Франсиско Гойя в Испании, Эжен Делакруа, Гюстав Курбе, Эдуард Мане во Франции. В числе художников XIX века, творивших в этом жанре, отметим Анре Фантен-Латура (Франция) и Уильяма Харнета (США). Последующее развитие натюрмортного жанра объясняется появлением постимпрессионизма, в котором вещественный мир становится одной из главных тем (Поль Сезанн).

В первой половине XX века французские мастера фовизма (А. Матисс и др.) используют натюрморт для раскрытия патетических и декоративных возможностей цвета и фактуры. Представителям кубизма (Ж. Брак, П. Пикассо, Х. Грис и др.) характерно использование художественных и аналитических возможностей, заключенных в особенностях натюрморта для утверждения новых способов пространственной передачи и отображения формы.

В XIX веке великим французским реалистом Гюставов Курбе была вновь создана концепция натюрморта. Демократизм, находящийся в центре творчества мастера, вернул глубину и жизненность западноевропейскому натюрморту.

Натюрморт реалистического плана находил последующее развитие на полотнах Эдуарда Мане. Мане и Курбе разделяли схожее стремление как можно ближе подобраться к натуре. Мане и в натюрморте, как и в других жанрах, показал современную жизнь и понимание прекрасного. Композиция в его работах упрощена, но художник мастерски передавал материальность и фактуру предметов. К примеру, натюрморты художника, появившиеся в 1860-х гг. Отличительной чертой картин Мане, является простота и гармония [59, с. 25].

В творчестве импрессионистов натюрморт не имел такого большого значения, как у реалистов и Моне. Импрессионисты создали собственную концепцию натюрморта, которая включает в себя принципы пленэра, разработанные ими в области пейзажной живописи. Признавая в натюрморте только свет и воздух в качестве активных элементов, импрессионисты превратили предмет в своего рода носителя световоздушных рефлексов. В связи с этим объект теряет свои объективные свойства, а его материальная ощутимость утрачивается. Дематериализация предмета в импрессионистском искусстве была первым симптомом нового западноевропейского натюрморта. Импрессионизм с его характерной чистой радужной палитрой привнес в жанр натюрморта радостные и яркие нотки.

Импрессионизм был основным направлением в западноевропейском натюрморте в течение короткого времени. Натюрморты Поля Сезанна считаются первоначальной реакцией на импрессионистскую концепцию изображения предметного мира. Они призваны раскрывать конструкцию, напоминать о незыблемых законах мироустройства. Цветовая лепка формы, подчеркнутая оттенками холодного синего, придает его натюрмортам ощущение воздуха и пространства. Сезанн внес особый вклад в развитие Европейского натюрморта. Его картины, изображающие предметный мир, стали образцовыми для многих европейских и русских мастеров, создающих произведения в этом жанре [59, с. 25].

На рубеже XX века натюрморт приобретает специфику тенденций живописи того времени. Художники стремились передать в произведении только определенные аспекты предметного мира, абстрагируясь от полноты изображения и целостности восприятия.

Одной из главных особенностей в развитии жанра натюрморта XX века было последовательное неприятие импрессионистов. Редко кто из художников этого времени отстаивали достижения импрессионизма. Среди них следует упомянуть Пьера Боннара, французского живописца и графика, величайшего колориста XX века [58, с. 29].

Русский натюрморт

Путь натюрморта в русской живописи совсем непростой. Начало этого пути соотносят с развитием иконописного искусства. Разнообразные религиозные предметы можно обнаружить в составе общей композиции иконы. К примеру, на оборотной стороне иконы Владимирской Богоматери XII века, находящейся в собрании Третьяковской галереи, можно увидеть своеобразный «натюрморт», составленный из культовых предметов— «Престола и орудия страстей», выполненный неизвестным художником из круга Андрея Рублева в начале XV века. Но назвать в полном значении такие изображения натюрмортом нельзя, это «скрытые» формы его проявления [4, с. 5].

В фресках, иконах и миниатюрной живописи XVII века наблюдается усиление внимания художников к предметам. С их помощью мастера стремились показать зрителю обстановку, в которой происходят события.

Натюрморт как самостоятельный живописный жанр появился в России сравнительно поздно - в начале XVIII века. Его утверждение как подлинного жанра произошло лишь в XX веке [4, с. 5]. Первые натюрморты русских живописцев XVIII века можно встретить в декоративных росписях на дворцовых стенах и на картинах-обманках. Предметы на них воспроизводились очень точно и реалистично Мастера изображали книжные полки и находящиеся на них различные предметы, размещенные на стене. Натюрморты-обманки создавались с целью введения зрителя состояние заблуждения, когда изображаемое на картине воспринимается за действительность. Особой виртуозности при создании натюрмортов-обманок достигли Г.Н. Теплов и Т. Ульянов [59, с. 30].

Пи мимо это были распространены натюрморты типа vanitas («суета»).

В 1730—1740-х годах начали появляться станковые натюрморты. Изображенные вещи теперь предстают перед зрителем как композиционно осмысленные, сочиненные группы [4, с. 6]. Часто встречаются произведения того времени без указанного авторства. Большинство натюрмортов XVIII века находится в коллекции Эрмитажа, Останкинском дворце и музее усадьбы Кусково. Появления станковых натюрмортов стало результатом реформ Петра I в области просвещения.

Натюрморты-обманки русских мастеров XVIII века выявляют, что мастерам живописи ставили целью показать фактуру предметов, сохраняется определенная отрешенность предметов от окружающего пространства. Заметным представителем художников, работающих в жанре обманки, является Федор Петрович Толстой. Натюрморты художника необычны по своей фактуре. Особой популярностью пользовался рисунок Федора Петровича Толстого «Ягоды красной и белой смородины», 1818 года.

Натюрморт имел особое значение и в системе образования Академии художеств в XVIII—XIX веках (в течение учебного процесса ученики занимались копированием голландских натюрмортов). А.Г. Венециановым, поощрявший юных художников наблюдать за натурой, создал программу обучения по натюрмортному жанру, куда входили постановки, включающие в себя, как фигуры из гипса, различную посуду, подсвечники, цветные ленты, фрукты и цветы. Постановки составлялись с таким уклоном, чтобы они были интересными и понятными для начинающим художникам, пригодными для анализа формы, гармоничными по колориту [59, с. 34].

Рассматривая натюрморты русских мастеров, можно отметить, как по-разному они подходили к своей задаче, и это заметно даже в характере изображения отдельных предметов.

В России в начале XIX века был популярен «ботанический натюрморт», распространенный в Западной Европе. Ученики Академии художеств в 1830-х годах выполняли копии «цветочных» картин голландских мастеров, находящихся в коллекции Эрмитажа.

Значимым мастером натюрмортного жанра начала XIX века был художник И.Ф. Хруцкий, создавший великолепные картины близкие к голландскому натюрморту XVII века. Лучшими работами мастера считаются — «Цветы и плоды» (1836 г., Третьяковская галерея, Москва), «Портрет жены с цветами и фруктами» (1838 г., Художественный музей Белоруссии, Минск), «Натюрморт» (1839 г., музей Академии художеств, Санкт-Петербург) [59, с. 35].

Натюрморты художника пользовались большим вниманием. И.Ф. Хруцкий возможно был первым из российских художников, кто подходил к натюрмортному жанру серьезным образом. Другие художники предпочитали выполнять копии картин голландских художников в качестве обучающего материала, даже после распространения натюрморта, как жанра.

Повышенное внимание к натюрморту в живописи в России начинает прослеживаться в 80-х годах XIX столетия. Особо значимое мест занимает здесь творчество И.И. Левитана (1860—1900 гг.). Полотна художника небольшие по размеру, по замыслу не отличаются сложностью. Букеты написаны традиционно изолированно от окружающего их помещения комнаты, используется нейтральный фон. Целью мастера было как можно более точно отобразить выбранную натуру [59, с. 35].

Для конца XIX века характерно появление нового осмысления натюрморта с цветами. В данном русле работали Грабарь, Коровин, Жуковский. Объединяя жанр пейзажа и натюрморта, мастера изображали цветы на парковом столике, на подоконниках, на дачных террасах. Динамика в развитии жанра натюрморта того времени с легкостью прослеживается по произведениям Коровина. В начале художник создавал насыщенные, яркие букеты. Постановки ставились в Париже или на фоне моря в Гурзуфе. Позже картины мастера стали сдержаннее, больше внимания уделялось не цветам, а их окружению. Наглядным примером может послужить «Натюрморт. Охотино».

Знаменитые натюрморты Коровина: «Гвоздики и фиалки в белой вазе», «Букет бумажных роз», «Розы на фоне моря» [59, с. 36].

На границе веков живопись в России имеет точную связь с историей импрессионизма. Одна из лучших частей наследия импрессионистов была сконцентрирована в Москве. Это объясняется участливым отношением представителей таких старинных купеческих фамилий как Морозовы и Щукины, которые обогатили Москву в начале века оригинальными коллекциями современной французской живописи, от Моне до Пикассо [59, с. 36].

Новые тенденции в живописи натюрморта теперь заключаются в устремленности художников соединить натюрморт, как в плане сюжета, так и точки зрения живописности, с окружающей средой. Постановки пишут на пленэре, используют натюрморт как составную часть пейзажа или гармонично дополняют натюрмортом пространство комнаты. Теперь при помощи натюрморта стремятся передавать мироощущения определенного человека, его жизненный устрой и отношение к жизни.

Картина К.А. Коровина «За чайным столом» (1888 г., музей-усадьба В.Д. Поленова) ярко иллюстрирует раннее неизвестные тенденции в живописи натюрморта. Полотно создано в условиях, близких к пленэрным — на террасе загородного дома. Мастер намеревался расширить границы изображения, тоньше связать его с человеком и окружающим его миром. Это во многих случаях позволяло к органичному совместить и соединить этот жанр с пейзажным и портретным жанром, интерьером и бытовой живописью. Образ «мертвой натуры» выглядит теперь сложнее, становится действенным средством, передающим образ. Это явление характерно не только для начальных этапов, но и для всего периода развития натюрмортного жанра конца XIX — начала XX веков.

Новые тенденции натюрмортной живописи нашли свое самое яркое отражение не только в творчестве К.А. Коровина, но и в творчестве И.Э. Грабаря. Натюрморты художника показывают настроение человека, отражают жизненную среду, в которой существует этот человек.

Вспоминая свои произведения, Грабарь говорил, что основное количество из них было почти полностью «увидено» им в реальной бытовой обстановке, в загородном имении его друга художника Н.В. Мещерина. В этом месте создавались «Цветы и фрукты на рояле» (1904 г., Русский музей), «Сирени и незабудки» (1904 г., Русский музей). Для этих картин, по свидетельству самого автора, требовалась незначительная компоновка, подсказанная самой натурой [59, с. 39].

«Сирени и незабудки» Грабарь называл «чистокровным импрессионизмом». Именно в то время художник изучал живописные методы Клода Моне. Позже художник начал составлять натюрморты для особого анализа цвета, формы, материальности предмета. Об этом свидетельствуют работы «На синей скатерти», «На голубом узоре» (обе 1907 г.). Натюрморты этого года выделяются разнообразием и сложностью поставленных задач, поисками новых художественных приемов. Становится заметна близость нового этапа в развитии русского натюрморта.

В ходе противоборства за выявление художественных форм нового типа, которыми пронизана живопись 1900-х годов, натюрморт становится одним из главных жанров, своеобразной площадкой для творческих экспериментов.

Начало ХХ века — «золотой век» русского натюрморта. Именно в это время натюрморт впервые получает равноправие среди других жанров. Активные поиски в области цвета, формы и композиции, производимые художниками, являлись отражением стремление расширить возможности изобразительного языка. Русский натюрморт, наполненный новыми образами, темами и художественными приемами, развивался очень быстро: за полтора десятка лет он преодолел путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.

В России было много последователей французских импрессионистов и постимпрессионистов (Мане, Сезанна, Ван Гога, Гогена). Благодаря французским импрессионистам и постимпрессионистам и возник интерес к натюрморту в России. Одним из последователей импрессионистов был Николай Тархов. Тархова очень ценили такие художники, как Бенуа, Малевич и Маковский. Один из самых известных натюрмортов Тархова — «Натюрморт. Цветы, овощи, фрукты» [59, с. 39].

По прошествии веков менялись не только способы и методы решения живописного натюрморта, но также собирался художественный опыт, развивался полноценный и постоянно расширяющийся взгляд на мир. Предметные свойства становились объектом метаморфоз. Через раскрытие качеств вещей художники отражали свое современное отношение к действительности, мере понимания реальной действительности.

Таким образом, анализируя развитие натюрморта, как самостоятельного жанра в России, можно отметить несколько этапов.

В конце XVIII — начале XIX вв. натюрморты отличались декоративностью, они выполняли функцию украшения. Позже натюрморт наполняется смысловой силой (П.А. Федотов, В. Маковский, В.Д. Поленов). В творчестве передвижников социальная направленность натюрморта усиливается — он отражал время и быт русского народа. Определенный подъем натюрмортного жанра в первой половине XIX в. (Ф.П. Толстой, школа А.Г. Венецианова, И.Ф. Хруцкий) связывается с желанием увидеть прекрасное в малом и обыденном.

Во второй половине XIX в. к натюрморту этюдного плана иногда обращаются И.Н. Крамской, И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.Д. Поленов, И.И. Левитан. Роль натюрморта в творчестве передвижников обосновывалась их пониманием важнейшей роли сюжетно-тематической картины. Значение натюрморта-этюда возрастает на границе XIX и XX веков (М.А. Врубель, В.Э. Борисов-Мусатов).

Линию натюрмортов Поля Сезанна в России продолжили такие художники, как П.П. Кончаловский, И.И. Машков, А.В. Куприн, В.В. Рождественский, А.В. Лентулов, Р.Р. Фальк. Их полотна яркие, точно отражающие действительность.

Советский натюрморт, который развивался в русле искусства социалистического реализма, обогащается новым смыслом.

В 20—30-х гг. XX века проявляется философская мысль прослеживается в творчестве К.С. Петрова-Водкина и в тематических «революционных» натюрмортах (Ф.С. Богородский и др.) По мимо этого, заметны попытки вновь осязаемо обрести отвергнутую так называемыми беспредметниками «вещь» при помощи проведения экспериментов с цветом и фактурой (Д.П. Штеренберг, Н.И. Альтман), и воссоздание красочного богатства и многообразия предметного мира (П.П. Кончаловский, А.М. Герасимов, И.И. Машков, А.В. Куприн, А.В. Лентулов, А.А. Осмеркин, М.С. Сарьян и др.), а также поиски тонкой колористической гармонии, поэтизация мира вещей (В.В. Лебедев, Н.А. Тырса и др.) [59, с. 40].

Натюрморты, отражающие существенные особенности современные эпохи, создали П.В. Кузнецов, Ю.И. Пименов и др.

В 60—70-х гг. XX в. в жанре натюрморта создаются произведения такими авторами как П.П. Кончаловский, В.Б. Эльконик, А.Ю. Никич, В.Ф. Стожаров. Для художников 70-х — начала 80-х годов XX века (Я.Г. Анманис, О.В. Булгакова, А.И. Ахальцев, М.В. Лейс и др.) свойственно тяготение к повышенной «предметности» изображения, эстетизация окружавшего человека мира вещей.

Современный натюрморт, зачастую построенный на возможностях фотографии, привел к зарождению стиля гиперреализм (фотореализм) в изобразительном искусстве [59, с. 40].

Заключение

Искусство натюрморта обладает своими историческими этапами. Ему известны как периоды расцвета, так и периоды спада. Развитие натюрморта тесно связано с общим поступательным движением изобразительного искусства.

Большое влияние на становление натюрмортного жанра оказывало творчество крупнейших мастеров живописи. Это влияние шло по направлению общего воздействия на характер и стилевые особенности натюрморта.

Как самостоятельный жанр искусства натюрморт может отражать как внешнюю, материальную сущность предметов, так и в образной форме показывать значимые стороны жизни, события и явления.

Список литературы:

1. Болотина И. С. Русский натюрморт. - М.: Искусство, 1993. - 136с.: ил.

2. Болотина И.С. Проблемы русского и советского натюрморта. Изображение вещи в живописи18-20 веков. -М., 1989.

3. Виппер Б.Р. Проблема и развитие натюрморта /Б. Р. Виппер. - С.-П.: Азбука-классика, 2005. - 384с.: ил.

4. Виппер Б.Р. Проблема и развитие натюрморта. Жизнь вещей. - Казань, 1922.

5. Даниэль С.М. Картина классической эпохи. Проблема композиции в западноевропейской живописи 18 века.-Л., 1986.-С.54-55,92-94, 144, 145.

6. Царева Л.Н., Царев А.И. Рисунок натюрморта: учебное пособие; М-во образования и науки Росс. Федерации, Моск. гос. строит. ун-т. Москва: МГСУ, 2015. 172 с.: ил.

7. Черлинка Г.К. Натюрморт в советской живописи, серия: «Искусство» №5. - М., 1988.

Приложение

1. Караваджо «Корзина с фруктами», 1597