Д.Моранди. Метафизический натюрморт

Картина написана в 1918 году, в год, когда война, наконец, закончилась. Ничего связанного с ней здесь мы не видим.

Художник всю жизнь провел в родном городе, Балоньи, он был довольно замкнутым человеком, редко выходившим из дома. Он сознательно избегал общественной жизни, и с удивлением узнал, что оказывается, очень знаменит.

Художественным ориентиром Джорджо Моранди первоначально была новая французская живопись, хотя картины Моне, Ренуара, Сезанна, а позже Пикассо, Брака и других кубистов он знал, прежде всего, по черно-белым произведениям. Увлекся он и метафизическим реализмом, создателем которого, был Джорджо де Кирико. Метафизическая живопись опиралась на образы предшествующего искусства, включала в себя различные культурные элементы прошлого. Художники стремились найти метафизическую грань между миром живого и неживого, поэтому в их картинах живое похоже на неодушевленное, а неодушевленные предметы живут своей тайной жизнью. Вообще «тайна» - любимое слово Джорджо де Кирко. Эта тайна проскальзывает и в «Метафизическом натюрморте». Молчаливая жизнь вещей, где живое похоже на мертвое, а мертвое – на живое. Взгляните, манекен балерины, со странной дырой справа, он существует в вакуумном пространстве и производит впечатление неживого. А этот повисший в воздухе шар – от него словно исходит несколько зловещая вибрация. Он кажется живым из-за нарушения им законов физики. Есть ли между ними какая-то таинственная какая-то таинственная связь, или эта загадочная конструкция не имеет ни литературной, ни символической подоплеки? Метод упрощения и метафизического отстранения позволяют Моранди создать идеальную лабораторию для исследования предметных форм. В основе этого художественного построения лежит интерес мастера к геометрии чистых объемов.

Его интерес отразился в более поздней работе «Натюрморт». Небрежно расставленные бутылки, тарелки, коробки и стаканы. Суть их изображения на многие десятилетия останется одна – Моранди неспешно, вдумчиво изучает выразительность, взаимодействие форм и линий. Он ценил предметы, формы которых рукотворны и потому неидеальны. Немного несимметричны крутые бока у глиняной бутылки слева, чуть скошено горлышко стеклянной бутылки справа. Выстроив композицию в два яруса, художник определил высоких участников постановки во второй ряд, отдав первый предметам, тяготеющим к плоскости. Причем в построение художник намеренно вел некую неправильность: он привнес в него движение, расположив предметы передней линии чуть по диагонали относительно края стола. Краску мастер нанес пастозно, следуя мазками за формой. Этот натюрморт Моранди сам подарил Музею Нового Западного искусства в России.

Георг Кольбе.

Судьба великого скульптора Георга Кольбе (1877–1947) необычна для Германии первой половины минувшего века. Пожалуй, нет другого столь известного немецкого художника, который, не идя на малейший компромисс с совестью, оставался бы на олимпе современного искусства, будучи на протяжении почти полувека высоко признаваем как публикой, так и сменявшимися властями. Родившийся в 1877 году, в бедной семье в глухой саксонской провинции он должен был всего добиваться трудом и талантом. Скульптура появилась в его творчестве далеко не сразу. После обучения живописи в художественном училище в Дрездене и академии в Мюнхене в 1893–1897 годах и последовавшего затем полугодичного пребывания в Париже, он отправился в Рим, где самостоятельно совершенствовался в живописи. Встреча в Риме со скульпторами Августом Гаулем и Августом Краусом, которые дали ему первые уроки и советы в пластике, стала поворотным событием в судьбе молодого человека. Признанием его достижений стала в 1905 году выставка в галерее Пауля Кассирера в Берлине. С тех пор его местом работы навсегда остался Берлин – не только политическая, но и художественная метрополия новой германии. По рекомендации клингера молодой скульптор в том же году становится первым стипендиатом премии Вилла Романа. В эти годы он участвует во множестве выставок, вступает в оппозиционный официальной академии берлинский сецессион. Демонстрирует Кольбе свои произведения и в осеннем салоне в Париже. В 1909 году он посетил мастерскую и познакомился с Огюстом Роденом. С тех пор в мастерской Кольбе появились две акварели Родена, очевидно, дававшие немецкому скульптору важный импульс для творчества.

Слава пришла к Кольбе в 1912 году. Тогда его бронзовую скульптуру «танцовщица» приобрела Национальная галерея в Берлине. Это явилось исключительным событием – впервые имперский музей приобрел работу художника столь далекого от академических кругов.

Как и многие немецкие художники, Кольбе в первые месяцы войны оказался санитаром добровольцем на фронте в Восточной Пруссии. Но продолжалось это не долго. В 1915 году он был определен фронтовым художником на Западный фронт. Знаком признания заслуг Кольбе в 1918 году стало избрание его профессором берлинской академии. Возвращение в Берлин  в январе 1919 года было не простым. Страна находилась на грани гражданской войны. Наверное, он не мог не быть свидетелем многих ужасных событий. Но в его творчестве это не нашло какого-либо прямого отражения.

Положение Кольбе в первые годы Веймарской республики было прочным, репутация высокой, но ситуация в художественном мире в целом значительно изменилась к худшему. Заказов стало много меньше, а материалы, особенно бронза, чрезвычайно вздорожали. Время наступило бедное, злое и нервное. Практически, в 1919–1920 годах Кольбе не работал как скульптор. Актуальными стали скульптуры малых форм и рисование. В данном случае речь идет не о рабочих эскизах, которые периодически по необходимости возникали в рабочем процессе скульптора. Мы имеем в виду рисунки достаточно большого формата. В данном случае он предпочитал веленевую бумагу без водяных знаков размера примерно 47 на 37 сантиметров, легкого холодного голубоватого тона. Бумага, видимо, была сброшюрована в альбомы, из которых листы по перфорированному краю легко вырывались. Техника использовалась неизменно одна – стальное перо и кисть. Предварительный набросок карандашом в этих стремительных произведениях не использовался. Рисовал скульптор разведенной тушью или чернилами. Превалируют оттенки голубого (особенно яркие в затеках и на ореолах размывки), но есть и слегка зеленоватые и даже коричневые тона.

Темой этих набросков в большинстве случаев является движение женской модели, переданное стремительным, почти интуитивно схваченным наброском. Это всего несколько точно положенных на бумагу линий, предельно лаконично и выразительно передающих характер напряженного движения, сложной, иногда провокационной позы. линия имеет разную толщину, что придает  ей особый динамизм. Иногда нажим так силен, что мелкие брызги разлетаются в стороны. Завершают работу несколько касаний кистью, намечающих объемы и вносящих необходимый драматизм и декоративность в композицию листа. Движения кисти так же стремятся максимально быстро зафиксировать неповторимость позы модели. При этом иногда на лист, который художник почти вертикально держит перед собой, с кисти падают капли, и краска стекает вниз. Кольбе, в случае, если характер позы передан удачно, не считал такие подтеки недостатком.